LA PRODIGIOSA AVENTURA DEL SONIDO

LA DANZA EN EL RENACIMIENTO: CAPITULO IV - LA GALLARDA

2012-01-14T17:16:00.016+01:00

LA DANZA EN EL RENACIMIENTO- IV : LA GALLARDA

Sonido y yo nos quedamos en fascinación al presenciar el bello espectáculo que es la Pavana que, como ya presentíamos, fue realmente regia y una experiencia inolvidable.
A la Pavana le siguió inmediatamente otra danza de diferentes características: La Gallarda, muy en contraste con la anterior.
Si la Pavana nos dejó boquiabiertos por su solemnidad, majestuosidad y elegancia, La Gallarda nos dejó totalmente alucinados por su ritmo frenético, la forma de danzarla, incluso la preparación física que se necesita para ello, teniendo en cuenta los trajes tan poco cómodos que usaban en esos tiempos, las damas con corsés muy apretados bajo unos trajes de tejidos muy pesados, llenos de adornos y pedrerías, golas y demás complementos no muy cómodos tanto en las vestimentas femeninas como las masculinas.¡Qué derroche de agilidad! Sorprendidos estamos todavía Sonido y yo…fue una experiencia única, nunca nos hubiéramos imaginado un contraste semejante.
Después de haber presenciado una Gallarda creo que está completamente justificado que nuestro amigo Jean Tabourot decidiera firmar con un seudónimo su ORCHESOGRAPHIE, porque convencida estoy de que no hubiera podido salir bien parado de la censura eclesiástica, teniendo en cuenta su condición de sacerdote.
Hay diferentes formas de la gallarda, unas menos vigorosas que otras, pero siempre son ritmos ternarios (Compás de 3 partes) que es precisamente lo que le da la característica de ritmo saltarín, vivo y alegre y dentro de las más vigorosas hay algunos pasos que eran ya “para nota” que se suele decir.
El turdión no es otra cosa que una gallarda más tranquila, sin vueltas ni saltos vigorosos. Se suelen encontrar partituras en las que los autores incluyen el turdión detrás de una pavana, como un todo y a veces es la misma melodía de la pavana pero cambiado el ritmo (la pavana es ritmo binario, de 2 partes).
La gallarda propiamente dicha es ya de tempo vivo y hay unos pasos especialmente enérgicos que imagino solo los mas jóvenes podrían con ellos. Existe un grabado de la época donde se ve a la reina Isabel I de Inglaterra ejecutando uno de esos pasos frenéticos con el conde de Leicester y parecen estar en buena forma dado que no eran muy jóvenes por aquel entonces. Dicen que esta reina utilizaba la gallarda como ejercicio gimnástico para mantenerse en forma, posiblemente una forma antecesora del aeróbic.
Arbeau en su ORCHESOGRAPHIE dedica a la gallarda nada menos que 40 páginas, y en esas cuarenta páginas describe como unas 20 formas diferentes de la gallarda. Cuando decía que se dedicó a escribir un libro sobre danzas porque en su juventud le gustaba mucho danzar, creo que no exageraba el señor Tabourot…Experiencia creo que no le faltaba.
En una de las formas de la gallarda, la más frenética, se utilizaba un paso llamado la volté, (la misma que ejecutan la reina Isabel I y el conde de Leicester) una pirueta que os la describiré con las propias palabras de Arbeau porque esa descripción es sublime:
“La gallarda se denomina así porque uno debe estar gozoso y animado para bailarla” Ni que decir tiene que lo primero que hay que hacer es estar en plena forma y muy animado para abordar tan especial danza de lo contrario sería morir en el intento.
Analizad detenidamente esta descripción: “Si queréis bailar la volté, debéis colocar la mano derecha en la espalda de la damisela y la izquierda debajo del busto y, empujándola con el muslo derecho puesto debajo de su nalga, hacedla dar la vuelta” Sin comentarios, amigos…sin comentarios…
Y sigue…“Después de haber dado vueltas durante tantas cadencias como os agrade, restituid la damisela a su lugar, cuando ella sienta, por más que ponga buena cara, su cerebro confundido, su cabeza llena de torbellinos vertiginosos, y vos no os sintáis en condición mucho mejor. Dejo a vuestro criterio considerar si es cosa apropiada para una joven practicar separaciones de piernas y pasos largos, y si no están implicados y amenazados en ello tanto el honor como la salud”
No hacen falta mis palabras…Solo me resta decir que cuando yo presumía que los jóvenes del siglo XVI no iban a ser menos…creo que no me equivocaba.
Nos comenta I. Horst en su libro FORMAS PRECLÁSICAS DE LA DANZA “que después de estas descripciones anteriores no resulta sorprendente que las damas de esa época adornasen sus ligas con sus más preciosos lazos de oro y plata” de lo cual se deduce que estaban encantadísimas con la gallarda y que no se si lo de las separaciones de piernas se veía como cosa poco honorable, pero de lo que estoy convencida es que a las damiselas no les afectaba lo mas mínimo ni al honor ni a la salud.
Con el reinado de Luis XIII, casto hombre, la volté desapareció y ya con el rey Luis XIV la gallarda murió totalmente.
-Sonidooo!!, estas por ahí? Ven, que vamos a ensayar un poco eso de “la volté” a ver si nos ponemos en forma.
-Cuidado donde pones las manos ¿eh?...

MARIA DOLORES VELASCO

PAVANA "BELLE QUI TIENS MA VIE" Thoinot Arbeau

2011-11-22T01:30:00.002+01:00

PAVANA “BELLE QUI TIENS MA VIE”: aspectos literarios y musicales

Hasta ahora he hablado de la Pavana desde su aspecto como danza procesional y cabecera de las “suite” de danzas, pero también quiero mostraros la belleza de alguna como es esta que creó Thoinot Arbeau en 1589 y que es de una gran belleza tanto en el aspecto musical como en el aspecto literario ya que el poema que lo acompaña es bellísimo.
En esta versión de "Belle qui tiens ma vie" podemos destacar algunos aspectos musicales dignos de reseñar como son la pulcra interpretación del grupo de Jordi Savall, voces masculinas bellísimas, muy bien conjuntadas. Siempre con esas tesituras arcaicas como son la bella voz de contratenor, acompañadas por la de tenor, barítono y una muy digna de hacer resaltar la voz del bajo, perfecta para mi gusto, que le da ese toque de severidad y a la vez de distinción y elegancia tan notable.
Una de las versiones mejores que yo he escuchado.

MARÍA DOLORES VELASCO

LA DANZA EN EL RENACIMIENTO: CAPITULO III - "La Pavana"

2011-11-22T01:16:00.002+01:00

LA DANZA EN EL RENACIMIENTO III - LA PAVANA

Sonido, amigo mío… ¡¡despierta!! Me han llegado noticias que hoy en Palacio hay recepción de grandes dignatarios donde asistirán todos los miembros de la Corte incluidos los más altos representantes del reino.¡¡Vamos!!, no te duermas que tenemos mucha labor por hacer. Dicen… que estas recepciones son muy especiales; toda la corte se viste de gala, y cuentan que lo adornan con una entrada realmente bella que es una especie de danza muy solemne, de buen corte musical y muy bellos sonidos.
Mi fiel compañero el Sonido se despereza y casi soñoliento me mira y al oír las palabras “bellos sonidos” salta de su cama y comienza a prepararse para tan importante evento, él siempre dispuesto a participar en el lucimiento de los suyos.
Amiga mía, me dice, cuéntame despacio esta noticia con la que me has despertado, cuéntame como será que ya quiero imaginarme como es y prepararme para tan gran acontecimiento, quiero sacar mis más bellos sonidos y disfrutar con mis compañeros.
Sonido y yo estamos ansiosos de presenciar tan especial acontecimiento al que me dediqué a documentarme sobre la forma solemne con que se celebra, nos sentamos cómodamente y le voy relatando todo lo que he investigado sobre ello.
La música siempre está presente en los acontecimientos de los seres humanos, es muy raro que haya grandes sucesos y el aire que respiramos no esté impregnado de bellos sonidos, esos que tú emanas y que sin ti, amigo Sonido, nadie podría vivir, sería ese vacío inmenso que, según dicen los científicos, es imposible vivir. La característica principal de estos eventos de Palacio es la presentación solemne de todos los asistentes ante los reyes y por tanto van acompañados de música.
Estamos en pleno siglo XVI y es costumbre iniciar ese cortejo con una danza muy especial llamada PAVANA, si, su nombre es muy sugerente y luego te hablaré de su posible origen, que hay diferentes versiones, pero ahora, como se que estás impaciente te relato como será ese momento de solemnidad.
Imagínate, amigo mío, a todos los cortesanos elegantemente vestidos, trajes de ricos tejidos, de corte perfecto…las damas vestidas con lujosos adornos, joyas, buenos peinados, compitiendo en belleza y glamour, muy altivas y distantes. Los caballeros, grandes dignatarios, nobles y gente muy principal también luciendo sus mejores galas, elegantes y caballerosos señores…todos “pavoneándose” como pavos reales cuando abren sus bellas colas y con mirada desafiante parece que nos dicen “mira que bello soy, ¿a que no has visto nada igual?”…
Damas y caballeros hacen su entrada en el gran salón formando una gran fila, todos, en perfecto orden van pasando por delante de los reyes para dar constancia de su presencia y una vez que han pasado todos por delante de los reyes comienza LA PAVANA.
Bellos acordes, acompañados de tamboriles que marcan su ritmo y comienza una danza de corte procesional, baja danza, es decir los pies nunca abandonan el suelo, fundamentalmente sus pasos se reducen a “avanzar” y retroceder” con algunas variantes hacia los laterales. ¡Que belleza, que elegancia, que majestuosidad en sus movimientos!, realmente es todo un placer ver danzar la Pavana tanto por la belleza de los movimientos como por el colorido de los trajes de gala y los ricos tejidos y las joyas que lucen…Todo un espectáculo de color y sonido es ver como las damas y caballeros realizar esos movimientos al compás de una bella música.
Mira Sonido, escucha con atención que te voy a leer algo interesante que el gran Thoinot Arbeau relata en su libro “Orchesographie” sobre la Pavana:
“los que estudien esta danza deben impregnar sus mismas almas de dignidad majestuosa”
Y fíjate lo que dice en este otro apartado, es muy interesante:
“nuestros músicos la tocan cuando una damisela de buena familia es conducida a la santa iglesia para desposarse, o cuando los músicos encabezan una procesión religiosa de capellanes, directores y hermanos de alguna cofradía importante”
Como puedes imaginar no era considerada como una danza propiamente dicha, sino mas bien como una forma de dar solemnidad a los eventos importantes.
Es una danza muy antigua que según los estudiosos de la época tiene diferentes orígenes. Unos sostienen que la pavana se desarrolló en las cortes española y francesa hasta convertirse en un cortejo procesional de gran dignidad y un espectáculo imponente, y según el Dictionnaire de Treveaux (1721) describe la pavana como “un género de danza grave, tomado de los españoles, en que los intérpretes forman una especie de rueda o cola, uno delante de otro, semejante a un pavo real; de ahí su nombre”
Algunos autores contemplan la posibilidad de que la palabra pavana sea derivada de “paduana” (Padua – Italia) aunque la mayoría se inclina porque la palabra pavana viene derivada de pavo real, ya que la puesta en escena se asemeja a los movimientos de éstos.
Vamos Sonido!! vístete de gala que nos vamos a presenciar estos solemnes acontecimientos de palacio…Por cierto, te gusta el traje que yo tengo preparado? Estaré elegante como las grandes damas? …vamos, vamos…que no quiero llegar tarde. Mientras terminas de vestirte de gala yo voy a ensayar los pasos de la pavana que tengo por aquí un video donde se puede apreciar como se danza la PAVANA.
Sonidooooooooo!!! Vamos!!, que llegamos tarde…

MARIA DOLORES VELASCO

LA DANZA EN EL RENACIMIENTO-CAPITULO II -"Thoinot Arbeau" (Dijon 1519-1595)

2011-11-22T01:00:00.008+01:00

LA DANZA EN EL RENACIMIENTO: II - THOINOT ARBEAU (Dijon 1519-1595)

Quien fue Thoinot Arbeau? os preguntaréis algunos.

Hay grandes personajes que no son muy conocidos por todo el mundo a pesar de reunir todos los méritos para ello. Yo amo a este personaje, me fascina, reconozco en él una gran valentía y libertad impresionantes, me encantaría haber podido conocerle. Si, ya se que me repito en este sentido, que también lo he dicho de otros personajes, pero es que en esta época hay tantos y tan interesantes y con tantos méritos que desearía haberlos conocido y tenido el privilegio de departir con ellos y aprendido de sus propias fuentes.
Ellos son mis amigos: desde mis entrañables Leonin y Perotin, hasta el que hoy os muestro, pasando por el enigmático Josquin des Pres, con esa elegancia… y por el gran Dufay inteligente y sencillo a la vez , sin olvidar a mi compatriota Juan del Encina, caballero serio , recio castellano, inteligente hombre, gran poeta y gran músico. Yo los he observado y los he adoptado como mis amigos, me encantan, los admiro tanto…
Lo primero que se hace es presentar a los amigos, bien, pues aquí os presento a JEAN TABOUROT. Es el autor del primer libro y posiblemente el mejor de su tiempo sobre danzas: “LA ORCHESOGRAPHIE” escrita en Francia en 1588 con el seudónimo de THOINOT ARBEAU.

Hasta entonces no se había escrito nada sobre la evolución de la danza ni su historia ni descripción alguna ya que, como hemos visto en otros apartados, el saber y la ciencia estaba en los monasterios y difícilmente los monjes se prestaran a escribir sobre ello ya que las danzas eran poco menos que pecaminosas o en el mejor de los casos no se tenían en cuenta como parte de la cultura.

Las danzas de palacio tampoco eran consideradas como danzas propiamente dichas porque en realidad eran formas severas, procesionales, de auténtico protocolo de los cortesanos ante los reyes, hasta los obispos participaban en ellas. Desde la secularización de la música es cuando sale de las manos de los eruditos monjes para pasar a la cultura del pueblo llano.
Bien, pues ahora viene una pequeña sorpresa...Jean Tabourot era sacerdote, sí, este señor tuvo la valentía de escribir un tratado sobre la danza y, como dije antes, aun todavía es el mejor tratado sobre la danza de su tiempo. Entenderéis ahora por qué le tengo una especial admiración. Ya me imagino el campanazo que debió ser el hecho de que un sacerdote notable hiciera un trabajo como ese, debió ser muy fuerte, como se dice hoy dia…Me imagino los comentarios de la gente principal entre divertidos y sorprendidos, pasando por sentimientos de incluso admiración por tan grande acontecimiento un tanto escandaloso quizás. Me divierte pensar en ello, se le “cruzarían los cables” a más de uno, ¡¡genial!!.
En esos tiempos había que andar con mucho cuidado porque a poco que te salieras de lo establecido ya te habían tachado poco menos que de impío y eso os aseguro que no traía buenas consecuencias y menos siendo clérigo. Dicen que se ocupó de las danzas porque una de las cosas que más le gustaba en su juventud era danzar.
En la “Orchesògraphie” podemos ver las danzas que estaban al uso en esos tiempos, tanto las de origen severo y cortesano como las que se adoptan del pueblo llano, sus coreografías, los pasos bien descritos e incluso dibujos de cómo danzarlas, y hasta unas indicaciones al margen izquierdo de la página sobre la línea melódica de dicha danza. Es verdaderamente una joya de incalculable valor, a mi me fascina y hasta me emociona saber de estos hombres que dedicaron mucho de sus vidas a elaborar trabajos tan notables.
He tenido oportunidad de tener en mis manos y poseer copias de fragmentos de la “Orchesògraphie” y es algo delicioso ya que te encuentras ante un estudio serio y muy completo sobre las danzas , pero no puedes evitar a veces alguna amorosa sonrisa cuando hace comentarios licenciosos sobre algunas de las danzas, porque no hay que olvidar que era sacerdote y naturalmente él veía que algunas formas de danzar eran un poco salidas de tono, claro está que hoy dia nos parecen que las podrían danzar las propias Hermanas Ursulinas, pero en aquellos tiempos a un clérigo le parecían claramente eróticas aunque, en honor a verdad, algunas tienen su punto pícaro…el alma humana es siempre la misma no iban a ser menos esos jóvenes del siglo XVI. Ya iré describiendo pasajes de su libro al ir presentado y viendo algunas de las danzas, porque son muy interesantes sus apreciaciones y comentarios.
El perfeccionamiento de la imprenta y la calidad de los editores supuso una rápida difusión de los libros y así también, en este caso, la difusión de las danzas ya fijadas, y a partir de ahí empezó un mundo nuevo que se iría abriendo a las formas musicales propias de la danza y a la proliferación de autores musicales que escribieran músicas para danzar.
Hay que destacar otro aspecto de gran importancia para la danza y es que a partir de este valiosísimo trabajo de Arbeau no solo se escribe música exclusiva para la danza sino que los autores van reuniendo, clasificando, digamos que contrastando diferentes danzas de una forma estética y equilibrada, hecho que da lugar al nacimiento de lo que llamamos “suite” , es decir una serie de danzas que se interpretan siempre en el mismo orden y van alternando formas de “baja danza” tranquilas, ceremoniosas, procesionales, con otras mas dinámicas como la “alta danza”, mucho más divertidas y propias de la juventud , esas que tanto le gustaban a Arbeau cuando era un muchacho todavía seglar.
Posteriormente la “suite” se convertirá en una forma musical propiamente dicha la cual se creará para su audición, sin ser bailada.

MARIA DOLORES VELASCO

LA DANZA EN EL RENACIMIENTO: CAPITULO I "Ha nacido una nueva expresión del Arte"

2011-11-21T16:45:00.002+01:00

LA DANZA EN EL RENACIMIENTO: I - HA NACIDO UNA NUEVA EXPRESIÓN DEL ARTE
Paseando por una de esas calles medievales que tanto proliferan en España, llegué a una placita recoleta, solitaria pero no triste, cargada de acontecimientos vividos, con su fuente en medio como es tradicional. Me atrajo enormemente y ahí me quedé en contemplación un buen rato. Observé su empedrado, sus casas centenarias, donde sus fachadas delatan toda la historia que han presenciado del mismo modo que en los rostros de los ancianos se pueden adivinar los avatares de su vida.
Con los ojos del alma vi a las mujeres acarrear agua de la fuente para el consumo de su familia mientras sus niños correteaban alegremente, poniendo en peligro la integridad de los cántaros de barro que sus madres llevaban cuidadosamente a su hogar. O también me imaginaba escenas de diversión, bailando, cantando u oyendo a los juglares relatar los sucesos acaecidos referentes a toda clase de noticias: las últimas victorias de la reconquista, los casorios de los nobles y de la realeza, casi siempre por motivos de intereses, bien políticos o económicos.
Una fuente es algo muy especial. La fuente es símbolo de vida; el agua fluye, las mozas conversan, ríen, lloran, se cuentan entre ellas los chismes del barrio mientras lavan sus ropas frotando enérgicamente sobre sus tablas de madera ondulada. Protestan a sus mozos porque no las ayudan a transportar sus pesados barreños llenos de ropa mojada, recién lavada, oliendo a limpio, que tanto esfuerzo les ha costado hacerlas relucir…Un mundo vivo, real, sin afeites…ese es el PUEBLO.
Sus danzas son divertidas; el pueblo siempre es el que tiene esa frescura de lo natural, de lo auténtico y de esa forma bailan imitando lo conocido, lo cotidiano como pueden ser los movimientos que hacen en sus quehaceres domésticos o el movimiento de los animales que conviven con ellos, los nobles y gente “estirada” que tanto les hacen sonreír, o esos ciudadanos adinerados con sus trajes de ricos tejidos y sus tocados extravagantes.
Estas gentes van creando un estilo sin pensarlo siquiera, pero lo cierto es que estas maneras de bailar trascienden mucho más de lo que ellos mismos pudieran pensar.
En los palacios se baila también pero es otra cosa muy diferente, más que danzas son movimientos sobrios, de carácter procesional, muy propio para ceremonias reales llenas de protocolos. Las cortes de Europa son muy diversas; mientras en España, ya después del reinado de los Reyes Católicos, la corte se hace mucho más austera, cosa natural ya que el nieto y heredero, el rey Carlos I de España y V como emperador de Alemania, se ha criado en esta última corte con fama de austeridad, y no digamos ya con el reinado de Felipe II, su hijo y heredero, que la sobriedad es su principal característica, tanto en las costumbres como en la manera de vestir.
Italia y posteriormente Francia son otra cosa; lujos, brillantez, diversión…sus principales características, y es aquí donde los nobles y los miembros de la realeza empiezan a observar todo eso que hacen sus campesinos, sus gentes del pueblo, como se divierten y lo divertido que es y, posiblemente y a modo de broma, ellos remedan sus movimientos, sus costumbres y sus diversiones… No olvidan sus danzas formales de la corte, pero hay que divertirse y para ello que mejor que imitar a la gente que se divierte: está naciendo un nuevo concepto de danza que ya no la parará nadie. El Renacimiento ha llegado a esta forma de expresión y la ha trasformado en su concepto básico. YA NO ES ALGO PROTOCOLARIO, TAMBIÉN SIRVE PARA DIVERTIRSE.
Mi mente se va hacia estos dos países Italia y Francia. Hago un recorrido por esa Italia del Renacimiento donde la corte es una explosión de lujo y brillantez, y cómo con el matrimonio de Catalina de Medici con el rey francés Enrique II (reinado 1547-1559), da ocasión para que ella y su corte italiana sean el vehiculo que transporte a la corte francesa ese lujo y esplendor que acostumbraba a tener en Italia. Tenemos, pues, ya en Francia la semilla de todo el boato y resplandor que en años venideros tendrá su culminación con la esplendorosa corte del famoso rey de Francia Luis XIV, llamado el Rey Sol.
Me doy un paseo por ese Paris del pueblo, de la gente común y veo sus quehaceres, sus diversiones, sus penas y sus alegrías. En las orillas del Sena “les lavandières”, las famosas lavanderas limpian sus ropas en el río, frotándolas con sus puños enrojecidos, golpeándolas con sus palas de madera para sacar la suciedad de esas ropas llenas del sudor y el polvo acumulados por el duro trabajo de sus esposos. Ellos se hacen los remolones para no transportar sus pesados barreños llenos de ropa mojada, los regaños, las discusiones, el cotilleo entre ellas…son las mismas escenas que mi imaginación tuvo también en España. Todos los lugares se parecen, la gente común hace las mismas cosas en las mismas situaciones porque el ser humano no sabe de idiomas ni de paises, su comportamiento es el mismo en las mismas situaciones.
La gente baila y expresa sus sentimientos y se ríen y divierten escenificando en ellas todos sus quehaceres. Así nacen los bailes folklóricos, los bailes del sentimiento popular, naturalmente todo esto sin clasificar, ni de ninguna manera fijar, son expresiones espontáneas.
Digamos que la primera clasificación de estos bailes son: la “basse-dance” (baja danza) que son las que los pies no se levantan totalmente del suelo, siempre hay un pié posado en él, y la haute-dance” (alta danza) donde los dos pies saltan y brincan abandonando en algunos momentos el suelo.
Una de la primeras clasificaciones de la danza es “la branle”, muy diversa en sus formas y que ahora vemos algunos aspectos de ella.
La palabra francesa “branle” significa “oscilación”, en realidad “branle” se queda como nombre genérico ya que solo designa la forma de bailarlo, de ahí su diversidad de formas.
La branle, es pues en principio, una manera de danzar más que una danza propiamente dicha.
Analicemos un poco esta forma de danza:
Se baila en corro y por parejas: en un momento dado las parejas danzan solas y en otros formando corro.
- Parte A en corro: agarrados de la mano, pasos laterales a la derecha y pasos laterales a la izquierda.
- Parte B en parejas: en esta parte los danzantes expresan la temática que la danza pida: imitar al caballo, a las lavanderas…etc.
Os presento en este pequeño video “la branle des lavandières” , la branle de las lavanderas, donde se puede observar como los danzantes hacen unos gestos muy gráficos de lo que quieren expresar.
Parte A: oscilación con pasos laterales derecha-izquierda.
Parte B: de frente, el esposo recrimina a su mujer indicando con el dedo y ella le responde del mismo modo, hacen palmas que es la representación de las palas de madera golpeando la ropa.
En esta versión los dos hacen el mismo gesto, pero en otras versiones que yo he tenido la oportunidad de aprender y danzar en diversos cursos de danzas del Renacimiento impartidos por la profesora Verena Machat del Instituto Orff de Salzburgo (Austria), y ateniéndose a la coreografía que fijó posteriormente Toinot Arbeaux, en esta parte B el hombre hace palmas para expresar el sonido de las palas que utilizaban las lavanderas para golpear la ropa y la mujer, mientras, hace el gesto de lavar restregando la ropa contra la tablas onduladas que se usaban antiguamente. Esta versión, creo, es más gráfica y a mi, personalmente, me gusta más.
Otros branles famosos son: “Branle des chevaux”, “Branle des pois” Branle de la Bourgogne” , etc.
Bien, amigos, pues estas dancitas se van introduciendo en los mejores lugares de la sociedad del Paris del siglo XVI y pronto veremos a las gentes principales y hasta en los palacios reales bailar y divertirse como se divierte la gente común: LA MODERNIDAD HA COMENZADO, ya nadie parará esta otra forma de vivir.
Estas danzas fueron fijadas por THOINOT ARBEAUX.

MARIA DOLORES VELASCO

CAPITULO XVII - JUAN DEL ENZINA: Ilustre poeta, dramaturgo y músico

2011-11-20T19:07:00.004+01:00

JUAN DEL ENZINA (1468-1529): ilustre poeta, dramaturgo y músico

El paso del siglo XV al XVI esta lleno de notables cambios para la humanidad, se comienza una nueva Era, así quedó marcado en la Historia. Estamos ante una explosión de creatividad, de belleza, de ganas de crear, de hacer, de investigar cosas nuevas en todos los ámbitos de la cultura. Todos los acontecimientos que se producen en este paso de siglo contribuyen a ello. La vieja Europa bulle en creatividad, en modernidad. Entra un nuevo aire de ese continente que estaba ignorado y su descubrimiento, su encuentro, da lugar a conocer cosas muy diferentes, asombrosas, que provoca una era nueva.

Este periodo que he elegido y que va marcado por la existencia de mi personaje central Juan del Enzina, coincide en su mayor parte con el reinado en España de Isabel I de Castilla y Fernando de Aragón, conocidos como Reyes Católicos (1474-1516). La visión, pues, de mi personaje nos proporcionará a su vez una idea de cómo era culturalmente esa España. Elegí a Juan del Encina como representante de ese paso de siglo por méritos propios y completar la terna con un personaje español que vive de cerca acontecimientos importantes. Veamos, pues, algo de nuestro erudito Juan del Enzina.

Español ilustre, toda una autoridad en el campo de las letras, (poeta y dramaturgo) y de la música. Juan De Fermoselle, su auténtico nombre, aunque se le conoció como Juan del (o de la) Enzina que, según algunos historiadores se debe a que nació en La Encina, pueblo cercano a Salamanca y otros se inclinan que lo tomó del apellido de su madre. Lo que es cierto es que nació en un pueblo cercano a Salamanca y también hay dudas si murió en esta ciudad o en León. Casi siempre en estos tiempos son muy dudosas las fechas y detalles de la vida de estos personajes, pero eso no es lo más importante.

Nos podemos encontrar a nuestro Juan del Encina en su juventud estudiando junto con el gran Antonio de Lebrija en la Universidad de Salamanca, una de las más prestigiosas del mundo en ese momento, donde su hermano Diego de Fermoselle dirigía la cátedra de Música, quizás fue el que le inició en este arte. Cuando sale de la universidad reside en Alba de Tormes, pueblo también de Salamanca, al servicio del Duque de Alba en el año 1492, situación que le da ocasión para componer poemas, canciones y obras dramáticas para la corte de dicho duque y que le sirve de gran experiencia en el campo de la música profana. Es un período muy floreciente a pesar de su juventud. En realidad Juan del Enzina, a pesar de haber obtenido las órdenes menores del sacerdocio y posteriormente ser sacerdote, no se puede decir que su característica sea la música religiosa. Sus composiciones son mayoritariamente de contenido profano, esto se explica porque la mayor parte de sus trabajos fueron en ambientes no religiosos.

Su paso por la corte de los Reyes Católicos como preceptor del Infante Don Juan, hijo y heredero de los Reyes Católicos también marca una época brillante. Quiero recrearme en este punto, aprovechando su cometido como preceptor, y podemos ver un poco que se hace en esta época de los Reyes Católicos.
A través de la documentación que existe de la vida en palacio y de las costumbres de la corte real gracias a Gonzalo Fernández de Oviedo en sus crónicas “Oficios de la Casa Real” conocemos de las aficiones del Infante Don Juan, hijo primogénito de los Reyes Católicos y heredero de la corona.

Don Juan amaba la música y tocaba diferentes instrumentos: flauta, clavicordio, órgano y era muy aficionado a cantar. Eso nos da idea de que este adolescente debió ser persona alegre y feliz, y estas aficiones daban oportunidad para rodearse de maestros en las diferentes disciplinas musicales. Es, pues, Juan del Enzina la persona más adecuada a ello ya que, además de ser un hombre de letras es músico y a su vez gran cantor, parece ser que Del Enzina tenía bella voz de bajo, además de tener ya por aquel tiempo fama de buen compositor, el paso por la casa de Alba fue positiva, y eso puede que influyera para entrar al servicio del hijo de los reyes como su preceptor y maestro de música.

La música estaba presente en todos los acontecimientos, festejos de las familias de los nobles y de la corte real y también entre las clases populares que se sirven de las plazas públicas para celebrar toda clase de eventos artísticos y culturales, dando lugar a una etapa brillante de la música y de la cultura en general. Hay un dato que da una visión de la importancia que tenia la música en este tiempo y que los reyes incentivan especialmente. Durante el tiempo que duró la Reconquista en cada ciudad conquistada se alzaba un templo y en cada templo había una capilla de música con una escuela de música para niños.
Un dato de interés es la fundación en 1498 de la Universidad Complutense en Alcalá de Henares por parte del Cardenal Cisneros. También aquí se crea una cátedra de Música. Actualmente en esta bella universidad se entregan anualmente los premios Miguel de Cervantes de la Literatura para autores de habla hispana.

Durante el reinado de los Reyes Católicos se van recopilando obras polifónicas de autores mayoritariamente españoles en una colección denominada CANCIONERO DE PALACIO.

El CANCIONERO DE PALACIO se realiza entre los años 1480 al 1510; consta de unas 470 obras de diversos autores españoles en su mayoría con algunas colaboraciones de autores extranjeros entre los que se encuentra, con una pequeña aportación, Josquin des Pres. Juan del Encina con unas 68 obras es de los autores que más canciones aporta a este cancionero.

El CANCIONERO DE PALACIO constituye una antología de la música polifónica en el reinado de los Reyes Católicos grandes impulsores de la música. Nos encontramos con obras y temas muy diversos que enriquecen la visión de la música en este tiempo: dramáticos, festivos, amorosos, satíricos, pastoriles, políticos, históricos, alguno que otro religioso etc.

El malogrado hijo de los reyes falleció en el año 1497 a la edad de 19 años. Al poco tiempo Juan Del Enzina marcha Roma. Una de sus obras destacadas es “LA TRAGEDIA TROVADA” compuesta con ocasión de la temprana muerte del Infante.
Su permanencia en Italia es larga. Trabaja para la corte papal con los pontífices Alejandro VI, Julio II y León X, eso muestra su larga estancia en Italia y también su gran valía como poeta, dramaturgo y músico.
La personalidad de su música difiere de los otros personajes que forman esta terna y se puede decir que es una música propiamente de corte español. Era de rigor, por lo que se deduce después de observar sus movimientos profesionales, el visitar Italia y permanecer un tiempo trabajando y aprendiendo, aunque en este caso concreto Del Enzina ya tenia una preparación musical consolidada y era ya conocido como hombre de letras y músico, aunque no rebasaba los 30 años, pero el paso por Italia era un punto imprescindible para todo músico que se preciara, así lo hemos visto también con Guilllaume Dufay y Josquin des Pres.

Me gustaría que le dedicarais un tiempo a la audición de esta obra que dejo aquí “Más vale trocar plazer por dolores” contenida en el Cancionero de Palacio y que pertenece al género Villancico (un estribillo que se repite al final de cada estrofa). Su contenido literario, además de ser de gran belleza, es de una gran profundidad interior dando motivo a reflexiones sobre ello.
Es una obra polifónica para 4 voces, soprano, contralto, tenor y bajo escrito para el acompañamiento instrumental propio de la época: rabel, laúd, arpa, flauta travesera, entre los más comunes.
El movimiento de las voces, el diálogo entre ellos, el bello acompañamiento instrumental, la belleza misma del poema que lo sostiene, hace de esta obra una delicia para el oyente.
El texto de la obra está escrito en castellano arcaico y así mismo cantado. El poema es de una gran belleza literaria y de muy profundo pensamiento.

Espero que sea de vuestro agrado poder escuchar una obra de calidad que nos da una visión de la música de la España del siglo XV-XVI.

Maria Dolores Velasco

CAPITULO XVI- JOSQUIN DES PRES: La perfección hecha Música

2011-11-20T17:58:00.004+01:00

JOSQUIN DES PRES: LA PERFECCION HECHA MUSICA

He preferido comenzar mostrando esta deliciosa pieza del gran Des Pres. Es tan deliciosa su música y tan agradable este poema en italiano que estoy segura que si sólo mostrara a Josquin Des Pres mediante esta pequeña joya, seguro tendríais una buena idea del gran músico que fue. La interpretación es ÓPTIMA.

“EL GRILLO"

"El grillo, el grillo è buon cantore
che tiene longo verso.

Dalle, beve, grillo, canta!

El grillo è buon cantore!
Ma non fa come gli altri uccelli,

come li han cantato un poco,

van'de fatto in altro loco…

sempre el grillo sta pur saldo.

Quando la maggior el caldo,
Allor canta sol per amore.
El grillo, el grillo è buon cantore

che tiene longo verso.

Dalle, beve, grillo, canta

!El grillo è buon cantore!"

Esta canción más o menos dice así:

“El grillo es un buen cantor
Casi siempre canta.
Pero no hace como los pájaros
Que después de cantar un poco
Se van a otro lugar.
El siempre canta fuerte
Pero cuando hace mucho calor
Canta solo por amor.
El grillo es un buen cantor….
Delicado divertimento de Josquin des Pres (o Prez) “El grillo”... Hemos cambiado considerablemente de canto, analicemos un poco:

- Es un canto secular
- Su forma musical es una “frotolla”
- Esta en iltaliano
- El contenido de la letra es divertida, ligera, de entretenimiento.

Vemos considerables variaciones con respecto a casi toda la música que hemos visto hasta ahora. No quiere decir que antes no hubiera música secular ni que ahora no haya música sacra, pero una de las características ya del Renacimiento es el gusto por el canto profano con temáticas de todas clases como vemos en esta deliciosa obra dedicada al canto del grillo, algo tan intrascendente como eso, se diría que es un divertimento , solo eso.

Conjuntamente con una música muy avanzada y muy culta, los mismos autores se recrean es estas deliciosas pequeñas cosas, eso demuestra el avance, la madurez y la cultura que existe en esos momentos. No necesitan mostrar obras muy difíciles o muy elaboradas para obtener el reconocimiento de su gran valía, pueden mostrar obras más ligeras y tener el mismo reconocimiento, eso significa madurez por parte del autor y madurez por parte de los oyentes.

La Frotolla, es una forma musical predecesora del Madrigal. La Frotolla estuvo en auge durante la segunda mitad del siglo XV hasta la primera mitad del siglo XVI, dando paso a la forma Madrigal.
Esta en italiano porque esa forma musical es propia de Italia. Parece ser que musicalizó textos ya existentes en italiano.
Des Pres solo tiene dos composiciones en esta forma musical: “Sacaramella va alla guerra” y “El grillo”. Veamos, pues, algo de nuestro personaje del siglo XV.

Tenemos ante nosotros un representante del Alto Renacimiento que ha vivido ese paso tan importante para la humanidad como es el descubrimiento de América para el resto del mundo: JOSQUIN DES PRES (1440-1521).

A mi, personalmente , me da siempre curiosidad el saber que hay por el mundo en el momento histórico de tal o cual personaje. A veces se estudian los autores, artistas, músicos, etc. individualmente, como si fueran unos personajes que vivieran aislados, al menos siempre me ha dado esa impresión al estudiar la propia historia de la música. Por eso me gusta decir, y en muchas ocasiones lo hago, quienes conviven en ese momento en el país del personaje que se trate, también nombrar acontecimientos importantes y otras personas dignas de mención, porque así se da una visión mas completa de estos hombres y mujeres que han pasado a la posteridad por sus grandes valías, pero que no han vivido solos, hay un entorno alrededor de ellos que se tiene que hacer resaltar dada la importancia de los artistas de la época como en Alemania Alberto Durero (1471-1528), en Italia Rafael (1483-1520), Leonardo da Vinci (1452-1519), Boticelli (1444-1510), en España Berruguete (1450-1503), todo un lujo vivir en una época como esta.

Josquin des Pres nace en una región de lo que era Flandes en ese momento histórico y se afinca en Francia. Se dedica al canto coral; su maestro de contrapunto fue Johannes Ockenghem , gran maestro que admiró mucho, tanto que una de sus obras mas importantes es el motete dedicado a su maestro en su muerte “Deploration sur la mort d’Ockenghem” (“Lamento por la muerte de Ockenghem”) .
Algunos datos sobresalientes en su carrera musical se producen en el periodo que va desde 1489 al 1494 donde fue miembro del coro del papa Inocencio VIII. Entró al servicio de Luis XII de Francia al final de este mismo año hasta 1503 que se trasladó a Italia, Ferrara, donde trabajó para la capilla del Duque Ercole.
Es pues una trayectoria muy similar a la de los grandes maestros contemporáneos, como Dufay y, como bien se deduce, era de rigor para uno que pretendiera ser buen músico afincarse en Francia y, al menos por un tiempo, permanecer y estudiar en Italia, otro punto importante de la cultura de la época.
Compuso múltiples obras y variadas: misas, motetes, canciones, y esas dos frottolas antes mencionadas.
Josquin des Pres es por tanto uno de los compositores más importante del Alto Renacimiento, fue una figura muy importante precedido por Guillaume Dufay (anterior en el tiempo) y posteriormente por Palestrina (posterior en el tiempo), y su música fue reconocida por los más importantes literatos y editores del momento como Petrucci, Pierre Ataingnant (1533) entre otros. Un dato interesante es que fue el compositor preferido de Martín Lutero.

Nosotros, que hemos visto nacer la polifonía con los entrañables maestros Leonin y Perotin, creando obras tímidamente a dos voces y ya como una hazaña que era, hasta cuatro voces con Perotin, quiero presentaros una obra de Josquin des Pres el motete “Qui habitat” en la que intervienen 24 voces. Es un auténtico alarde de composición coral en forma musical CANON.

La forma musical CANON está basada en el principio de la imitación, es decir, hay una melodía principal (canon) que se va imitando, repitiendo, antes de que la principal termine.
Las melodías imitadas entran escalonadamente a la misma distancia cada vez, a un mismo numero de compases, y se va formando una coral muy compleja que proporciona una gran brillantez y belleza. Pueden tener múltiples entradas.

Los cánones son como una cinta sin fin, de manera que para dar fin al canon hay diferentes técnicas:

A- El director del coro va suprimiendo entradas al término de cada uno de ellas.

B- Terminar todos en un punto dado, que el director del coro señalará.

En la solución A, se van extinguiendo las melodías poco a poco hasta que solo queda una sola y ya finaliza la obra.
En la solución B el final es un “cluster” es decir un cúmulo de melodías que terminan en un acorde armónico.

Este canon que aquí presento termina en un “cluster”, un grandioso conjunto de 24 voces maravillosas.
Os recomiendo que escuchéis con atención esta obra de hermoso nombre: “Qui Habitat” – “El que habita”, porque os aseguro que es muy bella e interesante. A mí, personalmente, me produce muchas sensaciones diferentes, y de alguna forma la he plasmado en mi video.
Las obras en CANON se tienen que escuchar tranquilamente, sin prisas ya que al ser obras basadas en esquemas repetitivos se va creando un climax a lo largo de la audición y en cada momento se pueden apreciar nuevas sensaciones auditivas, imágenes visuales…etc. de agrado o desagrado, que cada uno las valorará de una forma subjetiva y comentar esas sensaciones y apreciaciones seria interesante.
Espero que disfrutéis de estas bellas voces.

MARIA DOLORES VELASCO

CAPITULO XV: GUILLAUME DUFAY- Una vida plena

2011-05-12T00:04:00.000+02:00

GUILLAUME DUFAY , UNA VIDA PLENA

Allá por los albores del siglo XV en una localidad de Bélgica muy cercana con Francia, una joven, María Dufayt, da a luz un niño fruto de sus amores con un sacerdote. No se sabe la fecha fija de su nacimiento que en un principio se databa en el año 1400, pero posteriormente y por deducciones de algunos sucesos de su vida sospechan que debió nacer en 1397(*) A este niño le pusieron por nombre Guillaume…Guillaume Dufayt, como su madre.

Cada día nace un niño, cada día la Suerte decide a quién va a acompañar por la vida. La persona señalada por la Suerte verá como cada paso, cada acontecimiento, por trivial que parezca, es un paso más hacia el éxito.
Este es el caso de nuestro gran Guillaume Dufay (en Italia quitó la “t” de su apellido). Su condición de hijo ilegítimo, que por aquellos tiempos era algo no muy honroso, quizás fuera la oportunidad que le daba la vida para que su caminar le llevara al éxito. Es emocionante entrar en la vida de personajes tan ilustres y ver como el destino los conduce por caminos que le llevarán a poder desarrollar todo ese potencial que no todos tienen esa oportunidad.

La suerte, como digo, le llevó a la localidad francesa de Cambrai cuando tenía 12 años. En Cambrai residía un primo de su madre que era canónigo de la catedral y le pidió a Maria Dufayt que fuera a Cambrai para cuidar a una prima suya que estaba delicada de salud. Es posible que la auténtica motivación fuera quitar al niño de su ciudad para guardar en secreto el origen de su nacimiento. La familia siempre lo llevó en secreto, máxime siendo como fue clérigo y sacerdote.

Entró en la catedral como niño cantor y cuando tan sólo tenia 17 años tuvo la gran oportunidad de ser testigo presencial y participativo en un hecho muy importante como fue el Concilio de Constanza (Suiza), donde se puso fin al Cisma de Occidente. Era costumbre que los obispos se transportaran con gran séquito además de sus capillas de cantores. Los concilios duraban años, el de Constanza duró del 1414 al 1418.

Su presencia en dicho Concilio fue debida a su condición de cantor y a pesar de su corta edad, 17 años, también clérigo de la capilla de la catedral de Cambrai.
Esta oportunidad fue crucial en su vida, allí conoció y fue conocido por muchísima gente que como él formaban parte de las capillas de muy diferentes paises y lugares porque cada obispo llevaba sus cantores. Tuvo, pues la oportunidad de aprender mucho y también de darse a conocer, pues era ya compositor notable, de conocer los diferentes estilos de cada país: Alemania, Italia, Inglaterra, España…todo el mundo de la Iglesia y del saber allí estaba representado con sus coros a cada cual más espléndido.
A los 21 años y después de finalizar el Concilio de Constanza, tiene la oportunidad de viajar a Italia donde vivió con la noble familia Malatesta durante 6 años, hecho que le dio oportunidad de perfeccionar sus conocimientos musicales. Hace grandes composiciones que no pasan desapercibidos al propio Papa con el cual trabajó como miembro de su capilla.

Dos años mas tarde volvió a Italia y llegó a tener tanta fama que por esos años se iba a inaugurar el Domo, construido por Bruneleschi, y el papa le encargó la música para la ceremonia inaugural, cosa digna de mención ya que era todavía muy joven y sus estudios musicales fueron tardíos.

Viajó mucho y conoció muchas escuelas y tendencias diversas, cosa que enriqueció sus conocimientos musicales y en su mismo tiempo ya fue reconocido como el más grande compositor y músico.
Dufay es testigo presencial de la evolución hacia ese Renacimiento que está llamando a la puerta, lo que significa una obra renovadora, perfeccionada, diferente.
Su obra como compositor está compuesta de obras religiosas -motetes, misas-, pero también compone música profana donde la forma musical que más emplea es el Rondó y algunas Baladas y Virelais pero con un toque muy renovador.

Os presento este bellísimo motete a tres voces, se llama “Alma Redemptoris Mater”, (Madre amorosa del Redentor) y como se deduce, es una obra religiosa dedicada a la Virgen María.

Además de la belleza de la obra en sí, es digno de hacer mención la buena construcción y conjunción de voces: Hay una voz solista: CONTRATENOR y dos TENORES que cantan una plegaria a la Virgen como Madre Redentora que es.

La característica más señalada es la voz del solista: EL CONTRATENOR.
El CONTRATENOR es voz de hombre adulto que tiene la misma tesitura que la voz femenina de CONTRALTO O MEZZOSOPRANO. La belleza de esta voz masculina es patente, a mi personalmente me fascina. No es una voz forzada, se debe a unas condiciones vocales personales y a una técnica de canto cuyos resultados son muy bellos e interesantes, como se puede apreciar.

Se complementa con una parte instrumental compuesta de: órgano, 2 rabeles y flauta dulce.
Esta bella plegaria dice así:

Madre amorosa del Redentor,
Puerta siempre abierta del cielo,
y escalera del mar, socorre a los que caen
pero luchan por ponerse de nuevo de pié.
Tú que alumbraste,
para asombro de la Naturaleza,
a tu sagrado creador,
sin dejar de ser virgen,
y que oíste de los labios de Gabriel
ese saludo,
ten piedad de nosotros pecadores.

Es una muy bella composición donde nos deja un bellísimo texto en la que nos alientan para seguir adelante pase lo que pase, con esa positividad que hace de ella una excelente plegaria y en la parte musical una excelente obra de arte.

Guillaume Dufay fue un hombre pleno, hizo eso que tanto le gustaba y tan dotado estaba para ello, tuvo la oportunidad de poder conocer lo mejor de su profesión y llevarla a lo más alto de su perfección y además su condición de sacerdote también le hizo feliz porque era hombre de gran convicción religiosa. Estas vidas tan plenas siempre me han emocionado porque si algo hay bueno en la vida es poderla vivido con plenitud, con convicción y pudiendo desarrollar las aptitudes que la naturaleza les ha dotado.
Murió en 1474 en Cambrai cuando ya retirado de tantos viajes era por aquel tiempo un feliz canónigo de la catedral de Cambrai.

MARIA DOLORES VELASCO

(*) Hasta hace muy poco tiempo no se conocía el hecho de ser hijo ilegitimo. Es el musicólogo e investigador Alejandro Planchart quien en 1988 da a conocer este hecho en una publicación suya y es por eso que deduce que debió nacer antes de la fecha que se había dado como su nacimiento porque en 1409, cuando le trasladan a Cambrai sólo tendría 9 años y parece ser que hasta los 12 años no admitían en los coros.

CAPITULO XIV: "TRES PERSONAJES EN EL SIGLO XV"

2009-05-02T20:32:00.007+02:00

TRES PERSONAJES EN EL SIGLO XV

La Edad Media se nos va…Acontecimientos importantes sucederán en este siglo que provocarán un cambio notable.
La música ya ha llegado a una gran perfección, las manifestaciones musicales son múltiples y variadas: música religiosa, profana, danza, canto…Mi fiel compañero el sonido tiene ya un medio fantástico para poder mostrarse en toda su dimensión y capacidad. Ni que decir tiene la satisfacción que siente al contemplar las composiciones musicales que le permiten mostrar su más bella imagen. Y así en todas las artes: la pintura, la escultura, la arquitectura…pero que maravilla! Que labor incansable del SER HUMANO, incesante en su labor creadora, sin límites.

La Música está en las Universidades. Las enseñanzas superiores se encuadran en dos áreas: TRIVIUM, para las humanidades y CAUDRIVIUM, para las ciencias. Las materias que se estudian en el Trívium son: Gramática, Lógica y Retórica…¡que bellas enseñanzas!: Lógica y Retórica… En el Cuadrivium se estudia: Aritmética, Geometría, Astronomía y Música.

La Música, además de un arte, tiene mucha relación con las ciencias de la Matemática en todo lo que se refiere a las relaciones interválicas, que como vimos en las construcciones de las catedrales, las medidas interválicas eran empleadas para su construcción.

Estamos pues, en un siglo donde hay una explosión de creatividad, perfeccionamiento en todas las manifestaciones culturales y artísticas y la Edad Media se extingue para dar paso al Renacimiento, periodo muy brillante de la humanidad donde se lleva la vista hacia los clásicos antiguos pero con una visión renovadora, moderna.

En este punto quiero hacer unas reflexiones con respecto a este imparable ascenso de la música –y de las artes en general - del entusiasmo de estos hombres que ponen todo su saber al servicio de la misma.
La polifonía en el siglo XII fue el paso importantísimo y definitivo para el desarrollo musical y por eso mi admiración a esos primitivos estudiosos que idearon una forma rompedora de hacer música.

Pasan los siglos y, ahora, al comienzo de una Nueva Era -nada más y nada menos que una Nueva Era- surgen personas con unas ideas renovadoras que lograrán la culminación de la música vocal e instrumental. Las construcciones polifónicas que hasta ahora se iban haciendo con valores indiscutibles, se verá potenciada por elementos musicales diferentes, que representarán el amanecer de técnicas nuevas: La Armonía, la arquitectura de la música.

Alcanza tal auge la música y tiene tanta calidad que precisa de una mayor perfección y conocimientos para su interpretación que ya no son simples cantores de capilla los intérpretes de las maravillas que se componen, ahora se necesitan personas con auténticas dotes para la interpretación.
La música está en los lugares de culto pero los cantores son profesionales y se crea la figura de Maestro de Capilla, experto en dirigir los cantos y que en muchos de los casos son también grandes compositores. Las voces ya no son a una misma tesitura de voz masculina de adulto, ahora las composiciones son para voces mixtas.
Teniendo en cuenta que está vedado para la mujer este campo, no queda otra solución que las voces agudas estén interpretadas por niños de las escolanías o por adultos con voces especialmente agudas: los CONTRATENORES que cantan aproximadamente en la misma tesitura que las voces femeninas de CONTRALTO.

Os quiero presentar tres personajes que yo he elegido entre los muchos que merecen ser nombrados y creo que dan una visión global de la música en este siglo:

GUILLAUME DUFAY (1400-1474)
JOSQUIN DES PRES (1440-1521)
JUAN DEL ENCINA (1468-1529)

Las fechas puede que no coincidan exactamente según la fuentes de información , ya que de estos personajes no se tiene muy claro sus fechas de nacimiento ni de su muerte, pero unos años más o menos no son obstáculo para encuadrarlos en su lugar.

GUILLAUME DUFAY, Francés de origen belga
JOSQUIN DES PRES, holandés afincado en Francia
JUAN DEL ENCINA, español

Una de las cosas por las que he elegido a estos autores es porque, independientemente de su valía personal, representan el principio, la mitad y el final del siglo XV y, a través de sus obras tomamos el pulso a la evolución de los acontecimientos que se irán desarrollando y también al propio desarrollo musical.
Tres hombres de diferentes características musicales y tres grandes músicos para un siglo pleno de novedades en las artes, en las letras y en todas las manifestaciones culturales de tan magno siglo.

Os emplazo para el próximo capitulo con el entrañable Guillaume Dufay no sin antes dejaros una de sus bellas obras para que vayáis observando las novedades polifónicas que encierra.

“Flos florum” (“Flor de flores”)- Guillaume Dufay

Una bella composición de carácter religioso delicada en honor a la Virgen Maria. En ella podemos observar una bellisima conjunción de voces masculinas: 2 CONTRATENORES, en la voz más aguda, 2 TENORES en la voz media Y 1 BAJO en la más grave acompañados de un órgano que en este caso, tiene su protagonismo ya que hace unos solos muy bellos también.

La característica principal con la que yo resumiría esta obra es:

- Una cuidada composición de gran delicadeza , propia para loar a una gran señora que es la Virgen.
- Un texto muy bello y delicado.
- Una muy cuidada interpretación. El texto dice asi:

Flor de flores,
fuente de jardines,
Reina del cielo.
Esperanza de perdón,
luz de alegría,
curación del dolor.
Perdona a los culpables,
y dales la recompensa
con la paz de los justos.
Alimenta a los tuyos,
ayuda a los tuyos,
ten piedad de los tuyos.

Deseo que esta bella composición y estas magníficas voces sean motivo de unos minutos de serenidad para el espíritu.

MARIA DOLORES VELASCO
Copyright © Maria Dolores Velasco Vidal.

CAPITULO XIII: GUILLAUME DE MACHAUT

2008-04-15T12:25:00.015+02:00

Vista aérea de la Catedral de Reims

Catedral de Reims

Interior de la catedral de Reims

...rebuscando por las catedrales francesas nos encontramos con un personaje relevante en la música: Guillaume de Machaut.

Estamos estrenando el siglo XIV, muy entrada ya la Edad Media, y en nuestra incesante búsqueda de gente que nos aporte cosas nuevas, elementos diferentes, trabajos que marquen un nuevo avance en la hermosa tarea musical nos dirigimos muy especialmente a las CATEDRALES, centros donde se sigue cuidando el saber y especialmente la música culta.
Rebuscando por las catedrales francesas nos encontramos con un personaje relevante en la música: GUILLAUME DE MACHAUT (1300 – 1377).
Si bien hay grandes Universidades donde se imparten todas las ramas del saber, incluida la música, como vimos casi un siglo antes en Salamanca con Alfonso X El Sabio, también está unida íntimamente a la CATEDRALES, las ABADÍAS y los MONASTERIOS por diversos motivos: porque los músicos cultos son generalmente clérigos y porque algo especial hay en ellas que me gustaría comentar con vosotros.
Hacemos un paréntesis antes de mostrar la labor magnífica de nuestro personaje y comentamos algo sobre las catedrales góticas que tan relacionadas están al fenómeno musical porque creo que es da gran interés.
Mucho se ha hablado sobre las CATEDRALES, hay mucha literatura y buena sobre ellas y muchas investigaciones serias. Yo quisiera destacar algunos aspectos que me han parecido de gran interés y que están relacionados con aspectos musicales de lo cual se deduce que “algo” hay en la música que tan gran papel ha protagonizado.
Hay un libro, que poseo desde hace ya muchos años, y que, creo, es uno de los mejores libros sobre catedrales “El enigma de la Catedral de Chartres” de Louis Charpentier (Ed. Plaza & Janés) donde se muestran cosas realmente interesantes que no sólo atañen a esta catedral concretamente, sino que también da una dimensión de lo que son estos centros.
El gótico surge de una forma simultánea en diversos países después de la Primera Cruzada. Esto es un hecho comprobado, se comienzan las obras de las principales Catedrales de toda Europa. No hay problemas técnicos de construcción, parece ser que lo tienen muy claro. Comienzan por construcciones de Abadías Cistercienses y Benedictinas siguiendo por las grandes Catedrales de las principales ciudades de Europa.
Una cosa que realmente ha llamado mi atención es el dato muy interesante que nos muestra Charpentier sobre los lugares donde se construyen estos templos. Son lugares muy pensados, muy elegidos, son lugares que desde muy antiguo han sido centros de “poder” , mágicos, que ya conocían los druidas célticos, como es el caso de las principales catedrales de Francia que fueron de las primeras que se empezaron a construir.
Las Catedrales de CHARTRES, PARIS, REIMS, L`EPINE, LAON, AMIENS, ROUEN Y BAYEUX, todas dedicadas a Nuestra Señora (Notre Dame) forman la constelación de VIRGO, dato interesante que demuestra que los centros de poder druídico no estaban elegidos al azar.
Nos asomamos concretamente al interior de la Catedral de Chartres y nos encontramos con un dato muy importante musicalmente hablando: las medidas de las alturas del interior de esta catedral están calculadas en base a la distancia interválica de la escala diatónica de DO. Realmente increíble, diría yo…
No voy a hacer una tesis de todo esto porque ya lo han hecho los expertos y yo solo soy una maestra de música y mi labor es MOSTRAR estos datos como el primer hilo de este ovillo por si os apetece seguir hurgando en este tema que es, como poco, fascinante.
Visitemos una de estas magníficas catedrales: la de REIMS, su construcción se inició en el año 1211, de parecidas características a la de Chartres (que se habían iniciado sus obras unos pocos años antes en 1194), hermosa catedral de proporciones realmente bellas y de gran elegancia, donde esos cantos para la liturgia elevan el espíritu y las voces masculinas siempre son como una panacea para la mente. La catedral de Reims tuvo relevancia también por el hecho de que era el lugar elegido por los reyes de Francia para su coronación.
Y aquí es donde nos encontramos a nuestro personaje, al gran maestro GUILLAUME DE MACHAUT (1300-1377) porque es canónigo de dicha catedral.
Nació en MACHAUT, Francia, en la región de Champagne. Fue valorado como un buen poeta y un buen compositor musical. Es uno de los principales personajes del Ars Nova, movimiento de modernización musical.
Tuvo una vida intensa fuera del ámbito religioso. Fue secretario y capellán del rey de Bohemia, Juan de Luxemburgo, durante 20 años y con ello tuvo la oportunidad de poder viajar por toda Europa. Posteriormente trabajó para la Duquesa de Normandía y para Carlos V de Navarra. Es decir era hombre que a pesar de su condición de clérigo conocía bien las cortes reales de la época, trabajó en ellas como diplomático y esto indudablemente le influyó en algunas de sus obras poético-musicales.
En el año 1337 fue nombrado canónigo de la Catedral de Reims.
Este gran músico pasa a la historia de la música por derecho propio, porque da un paso importantísimo, digamos que definitivo, al perfeccionamiento de la POLIFONIA, que aunque compuso muchísimas obras, quiero centrarme en este punto porque es la evolución de la polifonía lo que nosotros venimos observando desde el siglo XII y porque la polifonía será la base de las venideras formas y composiciones musicales de gran valor estético y musical.
Como obra polifónica os voy a mostrar algo que se sale ya de lo común; observaréis la evolución que ha dado la polifonía desde que dejamos a nuestros entrañables maestros Leonin y Perotin.
Ahora es otra etapa mucho mas evolucionada y vamos a ver, observar y oír una obra polifónica con características muy diferentes que estoy segura os gustará, quizás… no como la música de “vuestra vida” (aunque, por que no?) ni como lo último de moda (por qué no también?), pero si como la “joya” musical que es:

“LASSE!, COMMENT OUBLIERAY”
Observemos esta composición en sus dos aspectos: musical y literario.

En el aspecto MUSICAL tenemos:
-Un motete a 3 voces.
-Cada voz tiene una línea melódica diferente.
-Las tres voces tienen su identidad propia, se podría decir muy gráficamente que son como tres que caminan a su manera pero en concordia.
-Muy bien construida la conjunción de voces y la interválica
-Muy cuidado también el fraseo musical.

En el aspecto LITERARIO:
-El texto ya no es litúrgico, relata un conflicto amoroso.
-En consecuencia el texto no está en latín (propio de la liturgia de la iglesia), la lengua empleada es el francés.
-Son tres poemas que cada uno relata su idea y que cada uno muestra aspectos del mismo tema principal.

Como podréis observar todo son novedades, la polifonía está llegando a su perfección, con el avance de este compositor y de otros también de su época, ya están sentadas las bases principales, a partir de ahora solo es seguir la evolución natural y perfeccionamiento cosa natural con el paso del tiempo.
Aquí muestro la traducción del texto de las tres voces: TRIPLUM, la más aguda, DUPLUM, la media Y TENOR, la más baja.
Creo que es imprescindible saber lo que relata esta pieza musical porque entiendo que junto con la belleza de su construcción musical está el texto que, como vulgarmente se suele decir, no tiene desperdicio: amor, desamor, engaños, cinismo, celos, violencia… Dice tantas cosas…muestra tantas cosas vigentes en nuestros días que creo que es un testimonio interesante de la vida de la época y de los asuntos amorosos y conflictos que en toda época creo son igual ya que el ser humano, esté donde esté ubicado: época, escala social, hábitat, es el ser humano y su comportamiento es, al menos, muy parecido a través del caminar de los tiempos.

TRIPLUM:
"¡Ay! ¿Cómo voy a olvidar al hombre hermoso, bueno, dulce, alegre, a quien le di enteramente mi corazón a cambio del suyo, que no obtuve?
Le tomé como mi amigo antes de casarme con este hombre que todo me niega y me vigila con tanta dureza que no puedo ver a persona alguna, y el corazón se me parte en dos.
Debo hacer lo que quiere a pesar mío y el corazón me estalla de dolor. Pero por este derecho no cambia lo que nos prometimos; veo con claridad cómo cuida y desea mi honor y cómo me ama mucho más que a sí mismo.
Cuando contemplo su lealtad que hace que todo su placer consista en servirme, no puedo dejarle, no soy tan malvada, mas sí puedo amarlo con honor y con virtud, pues yo tengo su corazón y él el mío, sin que yo haga mal alguno, así es como pienso.
Pero sí que haría mal si empezara a amarlo después de tomar marido.
¡Ay! El me da tanta pena y dolor que no hay lugar para la dicha, ni en este mundo ni en ningún otro hallo consuelo alguno, ya que mis diversiones, mi risa, mis juegos, mi canto, mi sueño, mis consuelos, mi bien y las horas felices han muerto.
Y de día y de noche acrecen los ríos de mi llanto cuando no veo al más hermoso y al mejor de todos; ¡este es mi dolor!
Pero por lejos que esté mi cuerpo del suyo, mi corazón siempre está cercano, rebosante de amor y lealtad.”

DUPLUM:
“Sí, quiero a mi fiel amigo y él me ama con tanta fidelidad que es todo mío y nada suyo, y yo también enteramente, sin ningún mal pensamiento, con bondad a él me entrego porque hace mucho tiempo y alegremente me dió su corazón, ¿merezco por ello -¡Ay! ¡Pobre de mí!- que mi marido me trate así, que reciba de él tan grave tormento?
Bien sé que no, pues mortalmente peca aquél que devuelve mal por bien.
Ahora debo obrar así porque él quiere que olvide a aquél que humildemente me ha respetado, protegido, obedecido y querido como yo deseaba”.

TENOR:
“¿Por qué me pega mi marido? ¡Ay! ¡Pobre de mí! ¡Dios mío!
¿por qué me pega mi marido? ¡Pobre de mí!
No le he hecho mal alguno, salvo hablar con mi amigo.
¡Ay! ¡Pobre de mí! ¡Dios mío! salvo hablar con mi amigo.
¡Triste de mí!
¿Por qué me pega mi marido? ¡Ay! ¡Pobre de mí! ¡Dios mío!
¿Por qué me pega mi marido? ¡Triste de mí!”

(Al final del presente ensayo os dejo la grabación de esta obra para que la podáis "degustar" y disfrutar)

Hacemos un breve resumen de la evolución de la POLIFONIA :
-Primeros intentos con personaje ya conocido en el siglo XII con Leonin: Un canto principal y una voz por encima a modo de continuo.
-Principios del siglo XIII: Perotin construye ya una polifonía de hasta cuatro voces, los textos son los mismos para las cuatro voces y la lengua es el latín porque todavía es solo música para la liturgia.
-Siglo XIV: Guillaume de Machaut, polifonía para hasta cuatro voces, cada voz dice un texto diferente y ya no es solo música para la liturgia también son temas diversos y las lenguas empleadas son el latín para la liturgia y el francés, en el caso de Machaut, para los demás textos laicos. Es el paso definitivo a la perfección de la polifonía.

Mi fiel compañero el sonido está exultante con tanta variedad y belleza de lo que nos ha proporcionado, él siempre nos sorprende con su maravillosa labor sonora.
Un día en Reims, un día con Machaut…¿Qué más se puede pedir?

MARIA DOLORES VELASCO VIDAL
Copyright © Maria Dolores Velasco Vidal.

CAPITULO XII: "REY SABIO, SABIO REY"

2008-02-10T20:50:00.002+01:00

Ilustraciones de los Códices de las Cantigas de Santa María

"REY SABIO, SABIO REY"

Pasó a la historia como el "Rey Sabio" pero realmente fué un "Hombre Sabio" que era rey.

Seguimos nuestra andadura por los caminos de los tiempos buscando algo relevante que sea digno de conocer y mostrar.
El cansancio asoma y nos acomodamos en un campo no muy lejos del camino, donde hay buena sombra y parece un lugar tranquilo. El rumor de las hojas que se mueven con el viento, pausado y agradable, que acaricia el rostro dando esa sensación de bienestar, hizo un efecto relajante hasta tal punto que nos quedamos dormidos durante un buen rato. Nuestra mente se activa y nos muestra escenas verdaderamente interesantes.
…Estamos en España, es la primavera del año 1252, pleno siglo XIII. Nuestro sueño nos ha transportado a Sevilla, ciudad del sur de España, a orillas del río Guadalquivir, (guad el quebir) palabra de origen árabe que significa “río grande”.
Reina en este momento un rey conocido mundialmente. Aunque hizo grandes hazañas, que fueron muchas e importantes, su nombre quedó en la memoria de la humanidad por haber sido canonizado santo, Fernando III rey de Castilla y León: San Fernando.
Ahí estamos nosotros presenciando el momento más trascendente en la vida de un hombre: su muerte.
Si, el rey Fernando se muere y se despoja de todos sus atributos reales, sus ricas vestimentas y todo signo mundano para recibir a la Muerte, esa gran señora que siempre tiene una cita pendiente con nosotros. Cuando nacemos venimos desnudos al mundo y cuando nos vamos también debemos despojarnos de todo eso que ya no vamos a necesitar, que ya no tiene ningún sentido porque a la cita con la Muerte se tiene que ir solo, sin más atributos que nosotros mismos y nuestros hechos.

Ese era el pensar de este rey, de este hombre. Muere en paz el 30 de mayo de 1252. Su cuerpo, de forma natural incorrupto, yace en la Capilla de la Virgen de los Reyes en la Catedral de Sevilla.
Digna muerte de una hombre digno. Ahí está su hijo el Infante Alfonso, el heredero, que ha visto y vivido las virtudes de su padre y casi puedo asegurar que eso le ha influido para su proceder en su reinado.
El infante Alfonso reina con el nombre de ALFONSO X, rey de Castilla y León, desde 1252 hasta 1284, fecha de su muerte, y es conocido por el sobrenombre de “EL SABIO”.
Pasados ya los lutos nos acercamos a contemplar qué hace este rey y por qué nos detenemos a observarle, ¿qué tiene de relevante su vida y su reinado?. La condición de ser rey es importante ya que el que tiene poder si, además, tiene inteligencia y buenos deseos, puede hacer muchas cosas valiosas y positivas, y así parece que este rey hizo. Entremos pues en su vida, en su entorno y veamos que hace, en que ocupa sus días.
La vida de un rey en estos tiempos no es tan fácil como a veces nos imaginamos. Le vemos despachando con sus colaboradores, dando el visto bueno a todos los asuntos relacionados con la justicia, o con alguna de las muchas tareas que personalmente se ocupa como son los temas relacionados con las lenguas que se hablan en estos tiempos. No olvidemos que conviven árabes, judios y cristianos y, además, España no es todavía una unidad, un país, hay diversos reinos cristianos y también árabes, de tal forma que coexisten diversas lenguas. Además en los reinos cristianos se habla la lengua romance, lengua vulgar, sin fijar todavía y en los escritos oficiales se usa el latín. Es Don Alfonso quien se ocupará de dar protagonismo a la lengua romance dando así el primer paso para ir dejando el latín y fijar como idioma oficial el castellano, que no es otra cosa que la lengua romance ya mejorada y fijada en su ortografía porque hasta ahora solo era una lengua vulgar hablada, no escrita.
Pero con todas estas tareas tan importantes, unidas a las campañas guerreras de la Reconquista, nuestro rey es, además de hombre de letras, poeta y músico y por lo tanto también dedica su tiempo a estas actividades. Le vemos en ratos de descanso ocupado en la elaboración de obras literarias dedicadas a múltiples y variados temas: jurídicos, literarios, poéticos, musicales, de entretenimiento.... Es un erudito, un sabio, como bien lo apodaron sus contemporáneos.
Algunas de sus obras más destacadas son “Tablas Astronómicas Alfonsíes”, “Estoria de España”, “Grande e General Estoria” escritas en lengua romance, “Libro de Axedrez, Dados e Tablas” y “las Cantigas”
A los dos años de su reinado, en 1254, crea la cátedra de música en la Universidad de Salamanca. Este hecho me parece muy relevante, ¡¡nada menos que una cátedra de música en una de la universidades mas importantes del mundo medieval!!. Realmente es digno de tener en cuenta el hecho de dar tanta categoría al aspecto musical.
Anochece…Asistimos a una velada en palacio. Se sirve la cena mientras los músicos amenizan con sus composiciones; los trovadores muestran sus canciones cuyos temas suelen ser historias de amor, o de guerra, o los sucesos más relevantes del momento, podría decirse que son las crónicas de sociedad, el equivalente a lo que ahora vemos en la TV, leemos en un periódico o escuchamos en la radio. Al terminar la cena es el propio Don Alfonso quien ahora muestra ante sus invitados sus composiciones poéticas que también ha musicalizado y ahí lo veo yo, él mismo, disfrutando de poder deleitar a sus contertulios. Observo como los asistentes se muestran asombrados por los temas que el rey ha empleado a estas composiciones, temas no habituales. No son composiciones sobre el amor, ni las guerras, ni de sucedidos del momento, son unas composiciones que él ha dedicado a los milagros que se han producido por la intercesión de la Virgen María. También tiene algunas canciones que están dedicadas en loor a la Virgen, sus virtudes y sucesos importantes de la vida de Nuestra Señora.
Ni que decir tiene lo que mi fiel compañero, el sonido, ha disfrutado participando de tan bello evento. Bellas voces, bellos instrumentos, bellas narraciones…un variado mundo sonoro lleno de múltiples matices, color, ritmo, a veces alegres y festivas, otras nostálgicas, íntimas, dulces relatos en una dulce lengua... Le observo y siento una gran emoción de verle feliz, de poder mostrarse sin límites.
Estas composiciones se agruparon con el nombre de CANTIGAS DE SANTA MARIA y forman una colección de 427 poemas.
Nos detenemos en las CANTIGAS DE SANTA MARIA para ver con más detalle esta obra poético-musical.
Aunque hay dudas de la total autoría de las cantigas por parte de Alfonso X, lo que sí es cierto es que el rey Alfonso compuso gran parte de ellas, tanto los poemas como la música; se cree que hizo unas 100 cantigas y el resto son de sus colaboradores, músicos y poetas de su corte, pero siempre revisadas por él mismo.
Están escritas en gallego-portugués, y se le atribuyen muchas de ellas al poeta y trovador gallego Airas Nunes, pero lo que no hay duda es de la participación directa del rey Alfonso. Aunque el rey apoyaba el uso de la lengua romance, estos poemas los escribió en la lengua gallega porque parece ser que era la que se usaba para obras poéticas o cultas. No sé si es una frase auténtica o es leyenda pero dicen que el rey Don Alfonso aclaraba que las Cantigas las había escrito en lengua gallega porque esa lengua era la apropiada para hablar con la Virgen, por su dulzura y bella cadencia.

Las Cantigas de Santa María, por su temática, se clasifican en:

- Cantigas en las que se relatan los milagros concedidos por la mediación de Nuestra Señora la Virgen María.
- Cantigas en las que más que relatar los milagros se reflexiona sobre ellos. El contenido de sus poemas es más profundo, digamos que son relatos más místicos.
Se conservan cuatro códices originales de la corte de Alfonso X:

El Códice Toledano, procedente de la Catedral de Toledo y que hoy día está en la Biblioteca Nacional de Madrid. Consta de 128 obras con notación musical.

En la Biblioteca de El Escorial se conserva el segundo códice que contiene 417 cantigas ilustradas con miniaturas y también tiene notación musical.

Otro códice que contiene 193 cantigas con notación musical y gran número de miniaturas, se conserva también en El Escorial.

Y por último, el códice de Florencia que se conserva en la biblioteca Nacional de esta cuidad. Contiene 104 cantigas.

Estos códices son de gran belleza por su cuidada elaboración. Los textos van acompañados de notación musical así como profusión de bellas miniaturas en las que se describen gráficamente los relatos. Es de gran valor el hecho de que a través de esos dibujos podemos saber que instrumentos usaban para el acompañamiento de las Cantigas, las vestimentas de la época, el mobiliario, etc… un valiosísimo testimonio de la época.
Os muestro aquí la cantiga nº 198 “MUITAS VEZES VOLV’ O DEMO”. Es una cantiga que relata la intervención de la Virgen María para poner paz entre unos hombres que por la tentación del demonio se querían matar delante de la iglesia de Terena.
Como obra literaria está escrita en forma villancico: alternan un estribillo con diversas estrofas que van relatando los hechos.
Como obra musical observamos entre lo más relevante:
- Compás ternario, con su carácter saltarín, festivo…
- Hay una introducción musical que sirve de presentación de la melodía y se podría decir que sirve a la vez para ir presentando los instrumentos que van a intervenir. Comienza con un bellísimo solo de viento al que se va añadiendo la cuerda y luego entra la percusión.
- Los estribillos están interpretados por voces mixtas con acompañamiento instrumental.
- las estrofas están interpretadas por un solo de voz femenina acompañada también instrumentalmente.

…Ya termina el día, ya se retira Don Alfonso a su descanso; los cortesanos se van yendo a sus aposentos y se quedan los salones vacíos de gente, pero llenos de hermosos ecos de todo lo que ha acontecido en ellos.
Nosotros también nos vamos a nuestro campo donde hemos repuesto las fuerzas. Después de un reconfortante refrigerio y con una sensación agradable e inolvidable de lo vivido, seguimos nuestro incesante caminar por los tiempos.

Maria Dolores Velasco Vidal
Copyright © Maria Dolores Velasco Vidal

CANTIGA Nº 198: “MUITAS VEZES VOL’ O DEMO”

Esta ‘e de cómo Santa María fez fazer paz e que sse
perdoassen us omees que sse querian matar us con
outros ant’ a sa eigreja en Terena.

***

Muitas vezes volv’ o demo as gentes por seus pecados,
Que non quer Santa Maria, pois lle son acomendados.

Dest’ avo en Terena un miragre mui fremoso
Que mostrou Santa Maria, e d’ oyr mui saboroso;
E poi-lo oyren, creo que por mui maravilloso
O terrán, e que metudo dev’ a seer ontr’ os preçados.

Muitas vezes volv’ o demo as gentes por seus pecados…

Naquel logar s’ ajuntaron d’ omees mui gran compaña
Que luitavan e faczian gran festa, for d’ Espanna;
Mais o demo. De mal cho, meteu ontr’ eles tal sanna,
Que por sse mataren todos foron mui corrend’ armados,

Muitas vezes volv’ o demo as gentes por seus pecados…

E a lidar començaron, ferindo-ss’ a desmesura,
(e) durou o mais da noite aquesta malaventura,
Cuidando que sse matavan; mais a nobre Virgen pura
Non quis, cujos romeus eran, que mortos nen sol chagados

Muitas vezes volv’ o demo as gentes por seus pecados…

Fossen da lid’ a ssa casa, mais en meogo dun chao,
U lidaron ben des quando começara o serao
E u sse matar cuidavan, ben asse de cabo sao
Fez que fossen us d’outros muit’ amigos e pagados.

Muitas vezes volv’ o demo as gentes por seus pecados…

E u andavan buscando os mortos que soterrasen
E os outros mal chagados, de que ben pensar mandas[s]en,
Non quiso Santa Maria, que neu tal achassen;
Mas perpontos e escudos acharon muitos colpados.

Muitas vezes volv’ o demo as gentes por seus pecados…

Ca non foi neu deles que non tevesse ferida,
Mas sol non tangeu en carne, ca ela nunca obrida
De valer aos que ama nen a os que son cuitados.

Muitas vezes volv’ o demo as gentes por seus pecados…

Porend’ aqueste miregre por mui grande o teveron
Todos quantos lo oyeron, e porende graças deron
Grandes a Santa Maria; e pois ssa festa fezeron,
Deron y de seus deiros e deles de seus gaados.

Muitas vezes volv’ o demo as gentes por seus pecados…

CAPITULO XI: UN DÍA EN PARÍS

2008-02-01T00:16:00.001+01:00

Gárgolas de la Catedral de Nôtre Dame de París

...Estamos en el año 1190, plena Edad Media. Es de madrugada y estamos llegando a las puertas de parís...

UN DIA EN PARIS

Caminando por los tiempos con mi fiel compañero el sonido hemos hecho un alto en el camino para asomarnos a observar esa sociedad de Hombres y Mujeres que un día despedimos pero con la promesa de nunca abandonarlos, de seguir sus pasos en sus quehaceres creativos a los que laboriosamente se entregan y regocijarnos con ellos de todo lo que su capacidad creadora nos va proporcionando.
Estamos en el año 1190, plena Edad Media.
Es de madrugada y estamos llegando a las puertas de París, ciudad fortificada. El día comienza a clarear, las calles, angostas y malolientes, apenas están transitadas. La gente se despierta y empiezan sus tareas domésticas. Se oye el bullir de sus hogares, los llantos, las risas de los niños, el movimiento lógico del despertar de una ciudad. Aguas que lanzan a las calles después del somero aseo de sus cuerpos, pero todo eso nos va dando esa imagen de una ciudad con vida, con gente que trabaja y se esfuerza, gente sencilla que labora de sol a sol y que hace que una ciudad tenga su personalidad.
París tiene unos 100.000 habitantes, es por tanto una gran urbe. Es la ciudad más importante y residencia oficial de los reyes de Francia. Reina en este momento Felipe Augusto II (reinado 1180-1223), rey que autoriza la creación de la Universidad de París y que en este año de 1190 está tomando parte de la Tercera Cruzada al lado de Ricardo Corazón de León, rey de Inglaterra. En España reina Alfonso IX de León, cuyo hijo será Fernando III de Castilla y de León más conocido en todo el mundo como Fernando III el Santo.
Seguimos transitando por sus calles de olor ácido y no muy agradable por las que pululan algunos roedores sospechosos que sus ciudadanos se cuidan mucho de ellos por el peligro de las enfermedades que pueden transmitir, una de ellas muy temida y que llega a diezmar una ciudad o toda una región: la peste…Pero todo esto no merma el encanto de esta ciudad, solo son cosas de la época y sus carencias higiénicas. Por lo demás París es esa gran ciudad con muchas cosas interesantes y centro de una gran cultura, floreciente en las artes y en el saber.
Caminamos sin conocer muy bien por donde se puede llegar a nuestro objetivo que no es otro que la Catedral, aun en construcción, pero que ya es un centro de cultura muy importante donde mi fiel compañero está deseoso de formar parte en las tareas musicales que los eclesiásticos trabajan con esmero y dedicación.
Después de caminar largo rato, ya levantado el día, con un sol que brilla, luminoso, radiante, divisamos allá a lo lejos una bella obra maestra, todavía incompleta, tan diferente a otras catedrales, con ese estilo nuevo, fascinante, mágico. Por fin llegamos….ahí está!...Nôtre-Dame, LA CATEDRAL, bella arquitectura gótica, majestuosa, rodeada por el Sena.
Nos detenemos unos momentos a contemplar ese paisaje que desde donde estamos situados se ve como una enorme mole de bella piedra tallada como si de un encaje se tratara, brillando con el sol que luce orgulloso el lo más alto del cielo, y casi una lágrima de felicidad se nos escapa de los ojos…yo, contemplando esa belleza, obra del hombre, y mi fiel compañero porque está ansioso de formar parte de esos bellos sonidos que según dicen las gentes alguien había sabido magistralmente combinar.
Habíamos tenido conocimiento de que algunos estudiosos de la música trabajaban en la mejora de los cantos litúrgicos, investigando nuevas formas, nuevos sonidos, nuevas combinaciones de sonidos , mezclándolos, como si cada uno de los ellos fuera una pieza de un puzzle que hay que saber encajar en su sitio para que resulte agradable al oído. Labor toda ella de gran precisión y mucha dedicación. Grandes artesanos del arte musical son estos hombres.
Unos años atrás ya se destacó un tal Leonin (1135-1201, fechas no exactas) posiblemente eclesiástico y autor del “Magnus Liber Organi”. Poco se sabe de él solamente que ejerce de Maestro de Capilla en la Catedral de Nôtre Dame de París, pero sí se sabe de sus trabajos con los sonidos que, al ser tan notables, su nombre quedó en la memoria de las gentes, cosa que normalmente no es habitual ya que los monjes, y eclesiásticos creaban sus cantos litúrgicos y quedaban en el anonimato, sin darles mayor importancia, aunque la tuviera… En cambio de este autor innovador quedó su nombre para la posteridad, y así nace lo que se ha dado en llamar “música de autor”, saliendo del anonimato acostumbrado.
Es pues Leonin un personaje reconocido por sus innovadores trabajos en el canto para la liturgia.
Entramos en la catedral y como es el mediodía, asistimos a las oraciones propias que la liturgia obliga en este momento, cantos solemnes, magníficas voces las de esos cantores que dedican su vida a labor tan bella. Es acostumbrado orar a determinadas horas del día, que los ciudadanos aprovechan para orientarse en la hora en que están, porque todavía no es habitual el uso de lo que nosotros llamamos reloj. Las gentes se orientan por las llamadas a la oración de las Iglesias, monasterios, conventos…
Mi compañero goza participando en esos cantos, de voces masculinas, claras, bien aunadas y podemos admirar esas innovaciones que el maestro Leonin ha elaborado. Todo un éxito, tanto para los más cultos como para los más sencillos. Cuando terminan sus oraciones tenemos la oportunidad de acercarnos al maestro y felicitarle por su buen hacer y su bello trabajo. Todo un honor conocer a tan principal personaje.
Anda por ahí cerca su discípulo o compañero, que muy bien no se sabe si es tal discípulo, lo que si es cierto es que ese joven músico llamado Perotin, sigue investigando la labor iniciada por Leonin y va a más…
.La labor de Leonin es ir perfeccionando el canto litúrgico que hasta ahora principalmente había sido un canto homófono (todos cantan a una sola voz) añadiendo una voz, (polifónico, más de una voz) generalmente por encima del canto principal y que a modo de un continuo que se mueve buscando sonidos que suenen bien, que armonicen y manteniéndolos largo rato.
Ahora, el trabajo de Perotin es ir trabajando en base a esta idea hasta desarrollarla. Su objetivo es poder aunar hasta cuatro voces!!!, ambicioso trabajo es este, pero todavía faltan algunos años de trabajo, no es hasta el año 1200 cuando este maestro llega a la elaboración del canto con 4 voces. Entonces ahí sí se puede decir que es claramente un canto POLIFÓNICO.
La obra que acompaña a este trabajo es “VIDERUNT OMNES” de Leonin, es la obra más famosa de este autor. También es famoso este mismo pasaje de la liturgia musicalizado por el maestro Perotin, ya a 4 voces, pero he elegido al maestro más antiguo precisamente por ser más primitiva su composición.
Observando los orígenes de las cosas, las venideras serán más comprensibles ya que las bases definen claramente las posteriores composiciones. Conociendo lo más sencillo se entenderá mejor lo más complicado.
Analicemos un poco la obra, observemos cómo trabaja, cómo construye su música el maestro Leonin y así poder tener una visión global de su composición.
La audición de esta obra puede proporcionar múltiples sensaciones y emociones, puede ser agradable, relajante o no, indiferente…, pero esa no es la cuestión que nos trae, la cuestión es OIR, OBSERVAR, ENTENDER, VALORAR y sobre todo CONOCER la labor de estos autores innovadores que son la base para que posteriores músicos construyan sobre estos conocimientos obras que alcanzarán una gran relevancia.
Para la mejor audición de la obra es muy importante, ante todo, oírla con calma, sin prisas, imaginando que estamos en la catedral, “viendo” y “viviendo” la escena: el coro, los cantores, al propio Leonin como los dirige…Esto os dará una mejor dimensión de esta música y sobre todo os recomiendo que la oigáis varias veces cuando os sea posible para captar mejor la estructura que ha empleado el autor.

TEXTO:

“Viderunt omnes fines terrae salutare Dei nostri: iubilate Deo onmis terra”
“Notum fecit Dominus salutare suum: ante conspectum gentium revelavit iustitiam suam”
“Todos los confines de la tierra verán la salvación de nuestro Dios: que toda la tierra alabe al Señor”
“El Señor ha anunciado su salvación: en presencia de todos los pueblos ha revalado su justicia”

ANALISIS:

VI-DE-RUNT OM-NES: Sobre esta frase va construyendo una voz, por encima del canto principal, a modo de continuo, que cambia a cada silaba. Utiliza las distancias de 3 y 4 sonidos (3ª, 4ª) En algunos momentos se producen disonancias que da una característica especial, muy arcaica, concretamente al comienzo en la silaba “VI”. Es de hacer notar en las silabas OM - NES, que la segunda voz tiene más movimiento, casi a modo de contrapunto con la voz principal, y terminan en la silaba NES al unísono. Se oyen, pues, dos voces nada más, ya que la voz principal es un solo, es decir que canta una sola persona. Siempre son voces masculinas.

FINES TERRAE SALUTARE DEI NOSTRI: IUBILATE ONMIS TERRA: es canto Gregoriano, coro a una sola voz de voces masculinas.

NO-TUM FE-CIT DO-MI-NUS SA-LU-TA-RE SUUM: AN-TE CONS-PEC-TUM GEN-TIUM RE-VE-LA-VIT: dos voces, los cambios de sonido coinciden con las silabas, manteniendo el mismo sonido durante el tiempo que dura los floreos o melismas del cantor principal. Se hace notar la silaba DO (de dominus) porque la voz que acompaña tiene más movimiento.

IUSTITIAN SUAM: Canto Gregoriano.

Vuelven a repetir el salmo inicial de VIDERUNT ONMES, con la misma estructura de antes.

Pues bien, hemos estado un dia con estos personajes, hemos visto su entorno, su hábitat, los hemos conocido personalmente, trabajado con ellos, disfrutando de su música, es como un sueño que quisiéramos hacer realidad muchos de nosotros, tener ese privilegio de haber podido presenciar esos grandes acontecimientos en su momento, en su época…pero por qué no hacerlo? Para eso tenemos la capacidad de poder soñar, imaginar, “ver con el alma”…

Poco se sabe de la vida de estos hombres, pero donde quiera que estén nos estarán observando y puedo asegurar que un destello de energía a modo de sonrisa se desprenderá de sus almas. Nos verán con los ojos que nunca más ya se cerrarán y casi me atrevo a asegurar que se sentirán felices de que una humilde maestra de música del sigo XXI y unas personas que gustan de leerla, piensen en ellos, oigan sus composiciones, los admiren y valoren, y hagan sus conjeturas sobre su anónima vida que tanto les hubiera gustado poder conocer.

"VIDERUNT OMNES" - Leonin

MARIA DOLORES VELASCO
Copyright © Maria Dolores Velasco Vidal.

CAPITULO X: "SOMOS RITMO"

2008-01-15T00:23:00.001+01:00

"MAYUMANA" EN CONCIERTO

SOMOS RITMO

Es impresionante darse cuenta de que el ritmo rige nuestras vidas, somos ritmo cuando hablamos, somos ritmo cuando trabajamos, somos ritmo cuando acunamos a nuestros hijos, somos ritmo cuando amamos…

Decía en mi anterior ensayo que el ritmo era la gracia, la “sal”, lo que da movimiento a una composición musical.
Ahora digo mucho más: El ritmo esta en todo…todo es ritmo…La Naturaleza es ritmo, dia-noche, mareas, movimiento de los astros, fases lunares…El reino animal esta condicionado por diferentes ritmos biológicos: la respiración, el latir del corazón al que muy propiamente llamamos ritmo cardiaco ciclos menstruales, la digestión… El universo todo es una perfecta conjunción de ritmos que se repiten perfectamente, es como una macro-danza minuciosamente coreografiada y cuya actuación se repite dia a dia, año tras año, siglo tras siglo…y nunca se altera ni tiene el menor fallo…la manifestación una vez más de la perfección de este milagro que es la vida, nuestra vida…
Si nos observamos a nosotros mismos unos minutos nos daremos cuenta que tan sólo el hecho de caminar, que es lo más básico en los seres pertenecientes al reino animal, es un alarde de ritmo. El ritmo acompasado del caminar del ser humano o simplemente pestañear, el bello ritmo del trote de un caballo, la inigualable belleza del ritmo de un felino en carrera, los movimientos de tan marcado ritmo de una avecilla que va caminando a saltitos graciosos, el maravilloso ritmo del ave que vuela libre por el espacio moviendo sus alas bien sincronizadas, el movimiento peculiar de una serpiente que avanza arrastrándose…Y no digamos ya de los sonidos rítmicos que se pueden observar en una ciudad, en el hogar, en el trabajo, en las fábricas, en los deportes…Aprendamos a ver todo esto que nos rodea porque veremos y oiremos cosas muy interesantes.
Es impresionante darse cuenta de que el ritmo rige nuestras vidas, somos ritmo cuando hablamos, somos ritmo cuando trabajamos, somos ritmo cuando acunamos a nuestros hijos, somos ritmo cuando amamos…
Es por eso que debemos tomar conciencia de que cuando hablamos de estos términos que muchos consideran “musicales” estamos hablando de nosotros mismos. El ritmo no es algo que está ahí como si fuera un objeto o un concepto que no nos atañe y que sólo es para uso exclusivo de los músicos, no, el ritmo somos nosotros mismos, o mejor dicho, nosotros somos parte integrante del RITMO UNIVERSAL.
Observémonos otra vez más…¿Somos conscientes de que nosotros mismos, nuestro cuerpo es ya un instrumento para crear y realizar ritmos?
Cuando la composición es para un instrumento de percusión el protagonismo es total y ahí nuestro querido y bello RITMO se luce y nos muestra su personalidad en estado puro. El ritmo por el ritmo…la belleza de sus matices, la sobriedad del ritmo hecha sonoridad, colorido, movimiento, improvisación, diálogo, conversación entre dos o más elementos sonoros, un amplio abanico de posibilidades sonoras que no tiene fin…porque la imaginación y la creatividad que sugiere son infinitas.
En diversas ocasiones me he encontrado que alguna escuela donde he trabajado o dado algún curso, no está bien dotada de material musical, generalmente por escasos recursos económicos, y los responsables de esos centros se ven apenados y a veces hasta avergonzados y expresan su pesar por carecer de, al menos, instrumentos de pequeña percusión o si tienen son pocos…Siempre digo lo mismo…No importa, nosotros tenemos manos, dedos, pies, boca, y un cuerpo entero donde poder hacer ritmos con tanta variedad de masa que su sonoridad puede ser muy variada, así que no hay problemas para poder hacer música, crear música.
Recursos como materiales desechables como envases de cristal o de plástico, palitos, tuberías de PVC, cajas, vasos, botellas, chapas de bebidas así como legumbres o piedrecitas metidas en envases de medicamentos o de yogures, etc…pueden ser motivo de una magnifica diversión a la hora de construir instrumentos de pequeña percusión e ir teniendo un material escolar muy interesante con el que enriquecer tímbricamente los ritmos que pueden improvisar y crear los propios alumnos.
Muchos autores han sabido ver todo esto de tal forma que han hecho composiciones musicales a base de ritmos muy interesantes, unas veces empleando instrumentos de percusión y otras utilizando toda clase de materiales u objetos, incluyendo la percusión corporal y la voz. La creatividad en este campo es inacabable sencillamente porque, como antes dije, el ritmo está en todo y todo vale, todo sirve, solo se trata de saber darle una orientación que de como resultado una interesante composición.
También quiero hacer notar algunos efectos muy interesantes de la expresividad y carácter del ritmo. Solamente ya, así, al escuchar un ritmo, podemos hacernos una idea de su mensaje.
El ritmo es una manifestación del sonido que existe desde siempre, (recordareis cuando hablaba del hombre y sus primeras observaciones del sonido) y como tal ha sido empleado desde que el mundo es mundo por toda clase de pueblos y de etnias, dándoles una identidad propia, de tal forma que cuando oímos determinados ritmos enseguida podemos reconocer su origen y enseguida nuestro cerebro muestra imágenes de donde los podemos ubicar.
Hay características muy marcadas dadas por los ritmos propiamente dichos y también por el timbre de los instrumentos que utilizan, que eso ya es una buena pista para saber su precedencia.
Si oímos un ritmo donde prevalezcan sonidos secos de instrumentos u objetos de madera y membranas, es posible que estemos oyendo algún ritmo africano y si lo que oímos son ritmos cristalinos, metálicos y suaves, seguramente sean ritmos orientales. Los instrumentos de viento junto con otros más de cuerda pulsada nos trasporta a América. Esto es altamente educativo ya que obliga a hacer una discriminación auditiva y se adquiere una cultura musical importante al saber por medio de los ritmos y su timbre donde se ubican, conociendo a su vez sus preferencias musicales.
Es interesante ver como el cambio de ritmo en una composición musical modifica también su carácter. Tenemos una melodía determinada, le cambiamos el ritmo y es probable que nos cueste reconocerla o al menos notemos que su carácter cambia. Esto se suele emplear para darle más expresividad a lo que la música en ese momento nos quiere transmitir.
Un ejemplo de esto podemos experimentarlo oyendo el 2º movimiento de la 1ª Sinfonía de Mahler “Titán”. En este 2º movimiento se describe la temática de un famoso cuadro “la muerte del cazador” perteneciente a su vez a un cuento infantil. En ese cuadro se ve un cortejo fúnebre donde al féretro del cazador lo acompañan los animales del bosque hasta su última morada.
Mhaler elige como tema principal la popular canción infantil francesa “Frère Jacques”, pero cambiado su ritmo imitando una marcha fúnebre, así como también su “color” porque la canción original está en modo mayor y aquí la pone en modo menor para dar esa sensación de duelo, de dolor…
Tenemos pues la utilización de una sencilla canción infantil convertida en una triste y magnífica marcha fúnebre sólo porque se ha cambiado su ritmo, como elemento principal, para dar esa sensación de cortejo fúnebre. (este 2º movimiento tiene muchas más cosas muy interesantes que ahora no es el momento , pero que en otro lo quisiera comentar)
Aquí os dejo este video de Mayumana, fantástico grupo de percusión, de gran creatividad y gran valor rítmico donde los instrumentos que manejan son procedentes de materiales desechables. Podéis observar como la batería está compuesta de una lata posiblemente de aceite, se observa una llanta de rueda, unos tubos de construcción. Los percusionistas utilizan bidones metálicos y contenedores de basura…Todo un despliegue de creatividad, buen hacer y una bellísima sonoridad rítmica en estado puro, además de una coordinación coreográfica excelente.

Seamos pues felices con estas PEQUEÑAS-GRANDES cosas.

MARIA DOLORES VELASCO VIDAL
Copyright © Maria Dolores Velasco Vidal.

CAPITULO IX - "LA MAGIA DE LA MÚSICA"

2008-01-10T00:45:00.001+01:00

"El cóndor pasa" - Ima Sumac

LA MAGIA DE LA MÚSICA

creación, construcción, movimiento… la magia de la música.

La percepción es algo que penetra en nosotros ante la observación de algo que se nos presenta y que implica un reconocimiento de lo que estamos percibiendo y una asociación a algo conocido, muchas veces de forma involuntaria.
Cuando percibimos un sonido, la percepción es instantánea; oímos por ejemplo, el sonido de una sirena, e inmediatamente lo reconocemos, pensamos en los bomberos o en la policía, sabemos de una forma involuntaria lo que es ese sonido y nuestra mente lo asocia a algo que ya conoce.
Esta percepción de las diferentes manifestaciones del sonido se cuida mucho en la primeras etapas infantiles para lograr una buena educación auditiva y así poder reconocer facilmente el sonido que durante toda nuestra vida nos acompaña, es nuestro “fiel compañero”, no lo olvidemos, y conocerlo y saber identificarlo es casi nuestra obligación, el está ahí para que nosotros le aceptemos y valoremos.
Cuando el hecho sonoro es musical entonces esa percepción se produce de una forma gradual, según se vayan sucediendo los sonidos musicales. A diferencia de otras artes, que la contemplación se produce en el momento y en su totalidad, en música la percepción se produce en el tiempo, hay que esperar un tiempo para poder percibir la obra completa y poder tener una idea de su totalidad aunque lo que vayamos percibiendo ya nos va dejando sensaciones, pero tendremos que esperar a oírlo todo para poder tener una idea fiel de lo que estamos percibiendo. No se trata de reconocer y asociar a algo, se trata de sensaciones que afectan a nuestra psique, a nuestra alma; entonces nuestro fiel compañero se presenta de una forma muy especial, nos muestra su faceta más delicada, su trabajo más perfecto; es como si nos demostrara su fidelidad mostrando su cara mas bella como un regalo muy especial que nos hace.
Hay unos aspectos en la percepción musical que debemos conocer para tener una idea más completa a la hora de deleitarnos con nuestras músicas favoritas y autores preferidos, o también ante nuevas músicas que cada día surgen y observar cómo ellas nos afectan.

Hablemos algo sobre cada uno de estos aspectos contenidos en un hecho musical.

LA MELODIA es la parte creativa del autor y del receptor. El músico siente esa inspiración que le viene de una forma involuntaria a través de vivencias, observaciones o simplemente surge de sus propios sentimientos, ya sean de la índole que sean: amorosos, patrióticos, dolor, miedo…etc.
La melodía actúa sobre nuestra fantasía: la del propio autor y la del oyente, porque, si bien, está concebida bajo unas circunstancias propias de su autor y éste nos envía su mensaje, a nosotros nos puede sugerir otras diferentes o alteradas porque también nosotros tenemos nuestra propia percepción con unos condicionantes que influyen en la audición, lo que, a mi modo de ver, hace enriquecer la percepción del hecho musical. Esto creo que es un hecho y se demuestra al ver la diferente respuesta de los oyentes ante una misma obra, no a todos les llega el mismo mensaje que el autor haya querido mostrar.

LA ARMONIA se podría definir como la arquitectura de la música, así lo veo yo, al menos.
El autor crea una melodía, es su inspiración, su “alma” ahí reflejada; ahora necesita construir algo sólido que le dé apoyo, identidad, refuerce el color, la adorne y embellezca….esa es la labor de la armonía.
La armonía actuará sobre nuestro intelecto, de forma que podamos apreciar esa labor artesana de combinar sonidos, de oír sonidos simultáneos que compaginen bien y que es toda una labor intelectual muy complicada y sujeta a normas basadas en los sonidos armónicos al percibirlos juntos. La armonía es toda una ciencia y la armonización de una melodía es labor complicada.

EL RITMO es la “sal” de la música. El ritmo es fundamental en un hecho musical. Es el acento, la gracia, lo que define la personalidad de esa pieza musical, además de tener identidad propia. Hay hechos musicales donde sólo hay ritmo, no hay nada más….solo ritmo…y por cierto que suelen ser de gran belleza.
El ritmo actúa sobre nuestro sistema nervioso, pero esta idea no tiene que ser necesariamente negativa. Cuando decimos que algo actúa sobre el sistema nervioso parece que debemos estar hablando de algo negativo…no, no debe ser así. Evidentemente cuando escuchamos algún pasaje rítmico y una música tiene muy marcado el ritmo, enseguida nos invita a movernos, es casi instintivo, si, porque actúa sobre nuestro sistema nervioso y nos invita a expresarlo y desarrollar esa faceta tan bella que es el movimiento de nuestro cuerpo.
Nada más bello que poder expresar la música con todo nuestro ser: el cuerpo y el alma, porque no se concibe moverse sin que algo se haya conmovido dentro de nosotros, es imposible poder moverse sin que haya un elemento que sea el que haga que nos expresemos en el espacio, no es una movimiento mecánico, hay un “alma” en todo ello.

He aquí pues, los tres elementos maravillosos que nos muestra el sonido en su manifestación más placentera que es la música:

LA MELODIA, con toda su fantasía desbordada en una manifestación creadora.

LA ARMONIA, con ese trabajo minucioso, arquitectónico, intelectual y gratificante que hará de la melodía una maravillosa obra de arte.

EL RITMO, que es el movimiento del sonido, el orden (o desorden) en el sonido, la esencia misma del sonido, sin él no hay movimiento sonoro.
Conocer nuestras posibilidades de expresión musical y poder vivirlas plenamente es algo muy importante para nosotros. Es altamente educativo y altamente satisfactorio y mi deseo es que pudiera llegar a todas las personas, estén en la etapa de la vida que estén, ya sean niños, jóvenes, adultos, ancianos, nunca es tarde, mi experiencia me lo avala, yo he experimentado todo esto en el campo de la música, de la danza y de la expresión corporal con personas de todos los niveles de edades y algunos muy mayores (mas de 75 años) que, además de divertirse muchísimo, de darles otra dimensión a sus vidas, les ha dejado una experiencia única que nunca olvidaran, ni yo tampoco, porque su felicidad fue también la mía.

MARIA DOLORES VELASCO VIDAL
Copyright © Maria Dolores Velasco Vidal.

Nota: He preferido acompañar este trabajo con una grabación solo de audio en vez de un video, precisamente para que no tenga imágenes, ya que la magia de la gran soprano peruana IMA SUMAC así lo merece y espero se manifieste en vuestras mentes con todo su esplendor. Os recomiendo que la escuchéis con los ojos cerrados tratando de "ver" lo que se oye y disfrutar de esta música maravillosa y de la gran interpretación que hace con esa voz inigualable que posee…Disfrutadla amigos.

CAPITULO VIII: "EVOCACIÓN"

2007-12-29T20:42:00.001+01:00

s Esta hermosa imagen de uno de los famosos naranjos sevillanos, está tomada por mí en mayo de 2006 en el Prado de San Sebastián, en Sevilla.

"SEVILLA" - Isaac Albéniz

Intérprete: Alicia de la Rocha

Alegres evocaciones, íntimos sentimientos...

Caminando una vez más por las calles de Sevilla, por esas bellas calles, tan diversas, de tan diferente aspecto, unas recoletas y misteriosas, donde te puedes imaginar que en un momento dado se cruzarán contigo hombres de capa y espada, (ahí situó José Zorrilla a su famoso “Don Juan”), calles muy estrechas, sombrías (que no tristes), bien cuidadas; sus casas tienen un aspecto impecable como señoronas acicaladas que esperan visita importante y así es, porque todos los que contemplamos sus rostros nos quedamos arrobados al observar su anciana belleza. Magia, misterio, intimismo, aventura, refugio de enamorados… todo un placer sensual y visual.
Otras son grandes espacios llenos de luz y color, con esos naranjos plenos de sus frutos que dan un colorido muy especial, muy propio de esas tierras bellas y luminosas, sus bellos parques que son una delicia por su espesa vegetación que nos proporciona un alivio impagable a las horas de fuerte calor, las grandes plazas, sus fuentes, las calles espaciosas enormemente anchas …se me ocurre pensar en todo esto que ya venimos comentando…EL COLOR, sí, el color de la naturaleza, el color y la alegría de su luminosidad o sus tonos apagados, melancólicos, delicados, íntimos, misteriosos… toda la gama de esa maravilla que es el color y sus múltiples matices.
Hemos estado viendo como el timbre, esa cualidad del sonido por la cual reconocemos la procedencia del sonido y que es el que le da color, pero que ya apuntaba yo que no era solo el que definía el color musical, hay otros aspectos musicales que enriquecen aún más ese colorido, esa personalidad y esa expresividad que el autor desea transmitir.
Estoy hablando de las tonalidades. Ya la propia palabra es por sí misma muy descriptiva.
Los sonidos se pasean por escalas musicales en diferentes tonalidades. Pueden ser tonalidades Mayores y tonalidades menores. Vamos a ver como es esto y para qué sirve.
Aplico aquí lo de “sentir antes que aprender”, así que trataré de haceros llegar estos conceptos por medio de la palabra escrita de forma lo suficientemente gráfica que os provoque imágenes que además es un ejercicio mental óptimo.
Imaginemos que tenemos unas cartulinas de diferentes colores vivos y alegres: rojo, verde, amarillo, naranja… y una plantilla con la figura, por ejemplo, de una manzana . Elegimos el color rojo y recortamos una manzana con la plantilla, luego otra con otro color diferente, amarillo y otra igual pero de color naranja…
Son todos las manzanas iguales? Vaya dilema…si y no, porque son iguales en cuanto a que están hechos con la misma plantilla, pero son de diferente color, luego son y no son iguales…solo los diferencia el color.
Esto es lo que les pasa a nuestras escalas musicales, son iguales…pero no su color, su mensaje es diferente.
Una escala musical es una serie de sonidos que tienen una distancia entre sí determinada, fija. La distancias sonoras se nombran como tonos y semitonos (medios tonos) y estas distancias se tienen que cumplir siempre, empiece por el sonido que empiece. Esto sería la plantilla de las escalas, tienen todas que ajustarse a ese modelo, a esa “plantilla”.
En las escalas Mayores la “plantilla” la determina la escala que empieza por la nota DO:

DO (1tono) RE (1 tono) MI( ½ tono) FA (1 tono) SOL (1 tono) LA (1 tono)SI ( ½ tono) DO
y su esquema sonoro es:
1 TONO–1 TONO–SEMITONO–1 TONO–1 TONO –1 TONO–SEMITONO
Esta es la “plantilla” MAYOR.

Estas distancias sonoras hay que respetarlas empiece la escala en la nota que empiece, pero todas tiene que ajustarse a esta plantilla. Evidentemente si la escala empieza con otro sonido que no sea DO ya no se cumplen las distancias sonoras, para ello hay que emplear unos signos llamados alteraciones (sostenidos, bemoles) para que estas distancias de tonos se puedan respetar.

Ahora imaginemos que tenemos cartulinas de diferentes colores, pero los colores van a tener otras tonalidades otro colorido más suave, más delicado, más triste también…y la plantilla va a ser una pera . Recortamos peras de color celeste, de color rosa, de color gris, de color malva…Son todas las peras iguales pero su color es diferente.

Las escalas menores la “plantilla” la determina la escala que empieza por la nota LA,
LA(1 tono)SI

(½ tono)DO(1 tono)RE(1 tono)MI(½ tono)FA(1 tono)SOL(1 tono) LA
y su esquema sonoro es:
1 TONO–SEMITONO–1 TONO –1 TONO - SEMITONO –1 TONO – 1 TONO
Esta es la “plantilla” MENOR.

Igualmente aquí se necesitan las alteraciones para las escalas que no empiecen por LA para que las distancias entre los sonidos respeten esta “plantilla”.

Qué deducimos de todo esto?
1 – que las tonalidades Mayores, al igual que las manzanas tiene un colorido brillante, vivo, alegre, y se emplean para dar a la pieza musical un carácter brillante, grandioso, alegre, solemne, optimista, en una palabra son EXTROVERTIDOS.
2 –que, al contrario, las tonalidades menores, al igual que las peras, tienen un colorido más suave, relajante, romántico, triste, temeroso… y se emplean para expresar sentimientos íntimos: amor, ternura, tristeza, dolor, odio, melancolía…son, pues, INTROVERTIDOS.
3 – que, sabiendo esto que os he mostrado es fácilmente reconocible a una simple audición de cualquier obra musical saber si está en una tonalidad mayor o menor en cuanto pongamos un poco de atención y veamos lo que esa música nos está transmitiendo. Si nos está expresando cosas íntimas es tonalidad menor, si nos está expresando situaciones brillantes, rotundas, alegres, es tonalidad Mayor.
Os recomiendo que hagáis la prueba con cualquier música que tengáis en vuestras casas, no importa que tipo de música sea, todas están sujetas a tonalidades (a excepción de músicas atonales). En las obras de música clásica, junto con el nombre de la obra, está expresada la tonalidad. Podrá ocurrir también que en un momento dado cambie de color, eso es que ha cambiado de tonalidad (como en el final del Bolero de Ravel *). A este cambio se le denomina en música MODULACIÓN. Este efecto es hermoso, le da a la obra mucho movimiento y se suele emplear para cortar la monotonía dando una sensación de frescura y brillantez.
Todo esto es de gran importancia para la expresividad, la personalidad, el colorido de una obra musical y los sentimientos que provoca en nosotros y, al pasear por la ciudad de Sevilla en tan diversos ambientes, unos mas íntimos, mas serenos, más evocadores…y por otros brillantes, profusión de colores vivos y alegres, me venía a la memoria compararlos con las tonalidades mayores y menores; evidentemente una deformación profesional, pero que me resultó interesante y placentera y me dió una dimensión más al contemplar esos bellos parajes.

MARIA DOLORES VELASCO

(*) La modulación a la que hago referencia es que la melodía cambia de tonalidad, se va a Mi Mayor y, por lo tanto, cambia el color musical. Esa tonalidad es la que ayuda a provocar esa grandiosidad que tiene el final. La tonalidad de Mi Mayor es brillante. Se puede facilmente observar porque unos 45’’ aproximadamente antes del final se nota claramente que la melodía “sube un escalón” ese efecto es el cambio , la modulación a Mi Mayor.

Copyright © Maria Dolores Velasco Vidal.

CAPITULO VII: "LA PERSONALIDAD DEL SONIDO"

2007-12-16T19:12:00.002+01:00

Maurice Ravel: "BOLERO"

Fuerza, color, duración...múltiples matices que desvelan los estados de ánimo de nuestro fiel compañero EL SONIDO.

Hemos dejado la observación del Hombre por unos momentos para pasar a conocer un poco a nuestro fiel compañero el Sonido.
Es indispensable observar sus cualidades porque ellas nos van dando pistas de su personalidad en cada manifestación sonora y así entender mejor lo que nos quiere transmitir.

La INTENSIDAD, esa fuerza con que se nos manifiesta el sonido en sus múltiples matices.
Es curioso observar como la apreciación de cualquier sonido puede ser modificado según su intensidad, de tal forma que lo que nuestros oídos aprecian como un sonido agradable o simplemente aceptable, según su intensidad se modifica nuestra apreciación y llega a ser o bien más placentero o mucho más agresivo para nuestros oídos y hasta puede llegar a ser desagradable o insoportable.
En música es un factor muy importante para la expresividad. Una melodía plana, sin intensidades sería algo abocado al fracaso. La propia palabra hablada (que también es música) es rica en intensidades tan sólo en una simple frase. Un discurso hablado sin diferentes intensidades, sin énfasis en algunas palabras, sin medias voces suaves, sin pausas de silencio, sería francamente aburrido y sin sentido. Así pues, en la música sucede o debe suceder lo mismo. Esta cualidad del sonido es la que determina esa sensación de VITALIDAD, de MOVIMIENTO, de EXPRESIVIDAD que tan importante es tanto en la palabra hablada como en la música.
Es curioso observar como se puede llegar a esa sensación de más o menos intensidad en un discurso sonoro. Una forma es, evidentemente, haciendo sonar los instrumentos o la voz o voces más fuerte o menos fuerte, eso es así de sencillo. Pero no siempre se produce esa sensación de mayor o menor intensidad por ese medio; algunos autores juegan con este parámetro de forma diferente, llegando a la sensación de mayor o menor intensidad por acumulación de instrumentos, de voces o de ruidos.
. En la orquesta sinfónica se puede hacer sentir mayor intensidad agregando paulatinamente más instrumentos. En un coro de voces pasa lo mismo. Manteniendo un mismo nivel de intensidad, se produce el fenómeno de crecimiento de la misma por el hecho de añadir más instrumentos o más voces. Parece obvio, pero se ve claramente que no es sólo la fuerza con que se emite el sonido el determinante de su intensidad.
Como referencia cito y muestro la obra “Bolero” de Maurice Ravel porque es un ejemplo claro de cómo un autor emplea la intensidad por acumulación de una forma magistral.
El autor le ha sabido dar una gran expresividad por medio de muchos elementos que ha utilizado y uno de ellos es que ha jugado con las intensidades por acumulación. La intensidad se va haciendo cada vez mayor por la entrada progresiva de instrumentos hasta llegar a un final apoteósico de gran intensidad producido por la acumulación de instrumentos que , si bien han aumentado brevemente su intensidad, el efecto de gran intensidad se produce por la cantidad de instrumentos que suenan a la vez.

Nuestro incondicional compañero, el sonido, es rico en colorido gracias a diversas particularidades y sobre todo a esa cualidad del sonido llamado TIMBRE.

El TIMBRE es la cualidad del sonido por la cual se diferencian unos sonidos de otros, dándole así una personalidad y colorido. Esto se produce por la diferente vibración de los objetos al hacerlos sonar. Por medio de esta cualidad podemos reconocer la fuente sonora, sabemos si lo que está sonando es de metal, madera, cristal, son palos, piedras, etc Si de lo que estamos hablando es de un instrumento de música, reconoceremos su color enseguida porque nuestro oído nos dice que, aún en el caso de tratarse de una misma melodía, se percibe diferente si lo que estamos oyendo es un instrumento de viento, un piano, un violín o si esa melodía esta interpretada por la voz.

Hay sonidos fácilmente reconocibles en el ambiente de una calle o de una casa, son los sonidos cotidianos que todos reconocemos enseguida. En lo que se refiere a sonidos emitidos por instrumentos musicales es conveniente ir adiestrando nuestros oídos para poder diferenciar el timbre de cada uno de ellos, o al menos, saber reconocer a qué familia de instrumentos pertenece. Esto nos dará una dimensión mucho mas rica a la hora de disponernos a oír una pieza musical, pudiendo así disfrutar de una audición más perfecta, más placentera.

Es, por lo tanto, el timbre el que pone un toque de color a la fuente sonora, y si esa fuente sonora es un instrumento musical, es interesante saber reconocerlo.

En los instrumentos de una orquesta hay una diversidad de ellos que se les clasifica en familias dándole el nombre de su medio sonoro:

- La cuerda: el sonido se produce al vibrar las cuerdas.
- El viento: el sonido se produce al soplar.
- La percusión: el sonido se produce al percutir (golpear).

Pero dentro de estas familias de instrumentos hay unas diferencias tímbricas notables entre ellos, unas veces por el tamaño de los mismos y otras veces por el material del que están hechos.

En cada familia de instrumentos hay diferentes tamaños: a mayor tamaño, más grave (bajo) el sonido, y a menor tamaño más agudo (alto); esto ocurre en todos los instrumentos afinados y no afinados (percusión). Aquí estamos viendo esa cualidad del sonido que se llama tono. Por el tono o altura reconocemos el instrumento que se está oyendo que, aun siendo dentro de una misma familia de instrumentos, será fácilmente reconocible sólo por su altura sonora.

Y en cuanto al material del que están hechos, el sonido cambia de una manera muy notable. Así ocurre con los instrumentos de viento que según sea de metal o madera el color del sonido será muy diferente. El metal da un carácter más brillante, más grandioso, solemne, mientras que la madera le da un carácter más cálido, yo lo calificaría como sonidos mas aterciopelados, más delicados, sensuales, generalmente hablando porque hay excepciones.

La DURACIÓN está relacionada con la longitud de onda al vibrar. Un ejemplo es observar y comparar cuanto dura el sonido de un plato de metal atacado por una varilla (instrumento de percusión) y cuanto dura el sonido atacado por la misma varilla en una caja china (percusión de madera). Evidentemente el metal tiene más vibración y durará más el sonido que en la madera. Estas cualidades son evidentes y no haré más hincapié en ellas.

Bien, ya sabemos cuales son los artífices del sonido musical y ahora nos falta saber como contribuyen a que esa sonoridad sea la adecuada a lo que el compositor quiere transmitir.
Si lo que se quiere expresar es algo épico, grandioso, magnífico… seguramente se le dará protagonismo al viento-metal, que con su brillantez y sonoridad rotunda hará que la pieza musical tenga ese carácter, ese colorido. A excepción del saxo que, a pesar de ser un instrumento de metal, su sonido es cálido, acogedor.
Muy al contrario será cuando lo que se quiere decir es intimo, delicado…ahí se emplearán instrumentos de viento-madera que tienen esa personalidad y junto con la cuerda dará ese colorido. Esto es a grandes rasgos porque todos los instrumentos, de hecho, tienen una expresividad muy amplia y es más, la conjunción de varios que suenen a la vez dará como resultado otro colorido ya que seria como otro instrumento diferente…en fin en el sonido puede haber infinitas posibilidades, infinitos matices, infinitos colores, tantos como la inspiración de los compositores y tantos como sea la captación de los oyentes.

Estas son a grandes rasgos las cualidades del sonido, hay otros parámetros muy importantes que apoyan la expresividad, pero eso lo dejo para la próxima cita con vosotros.

MARIA DOLORES VELASCO

Registrado en la Propiedad inteleectual de Madrid

CAPITULO VI: "FIEL COMPAÑERO"

2007-12-12T17:14:00.002+01:00

KITARO- "the silk road"

Un canto a nuestro fiel compañero EL SONIDO.

Hemos dejado atrás un bello canto que perdurará por los siglos de los siglos, pero la aventura del sonido y de la música sigue adelante, descubriendo nuevos sonidos, nuevas sensaciones, investigando nuevas formas y desarrollando cuanto la creatividad del ser humano hace posible.
A partir de ahora el avance mas notorio que se hace en música supone un gran progreso y nos brinda la oportunidad de saborear una música cada vez con más posibilidades expresivas junto con el perfeccionamiento de los instrumentos ya en uso y con los nuevos que se van creando. Estoy refiriéndome a la POLIFONÍA.
Polifonía (varios sonidos simultáneos), nos abre un campo muy extenso para nuestros oídos y toda una técnica para la buena conjunción de ellos.
A partir de este momento ya se puede decir que la música tiene unas características que harán de ella algo muy importante porque proporcionará nuevas sonoridades, colorido y belleza, tanta como creatividad tenga el compositor.
La música está ya en un camino de progreso que dia a dia se irá desarrollando y perfeccionando de una forma sorprendente. Pasa de ser un recinto acotado en el que sólo una minoría podía acceder a ella como artífice, a ser ya un lugar abierto a grandes compositores que no son anónimos recogidos en sus monasterios, digamos que entramos en un mundo de música de autor.
Dejemos en este punto a nuestros antepasados, en sus monasterios y en sus catedrales góticas que dan un auge mayor a todas las manifestaciones musicales, y en las estancias de los palacios donde también ya se interpreta música profana para ocuparnos de conocer mejor al Sonido, compañero fiel que durante nuestra vida nunca nos abandonará.
Hemos llegado a un cruce de caminos, soltemos de la mano por un tiempo a esta sociedad que va avanzando y que cada día se irá perfeccionando en todas las manifestaciones del arte. Ellos ya están en un camino muy creativo y el arte: pintura, escultura, música, creaciones literarias… se expandirán muy satisfactoriamente.
Despedimos con cariño a ese héroe, el Hombre, que ha trabajado duramente hasta conseguir logros muy importantes, que ha observado, sentido, investigado, estudiado, creado…hasta la saciedad y que sigue por los caminos de la vida observando, sintiendo, investigando, estudiando, creando incansablemente.
Buena suerte, amigo Hombre, amiga Mujer, en los caminos de los tiempos nos iremos encontrando y nos saludaremos con mucho cariño y participaremos con regocijo en todo lo que haya nuevo, en todos vuestros avances y perfecciones logradas, en toda vuestra aventura de la vida, en toda obra de vuestra creación, allí estaremos para celebrarlo y unirnos a vosotros en el disfrute de nuevas sensaciones.
Enjugamos esa lágrima de la despedida y seguimos el camino con nuestro fiel compañero de andaduras que nunca se aparta de nosotros: EL SONIDO.

Amigo fiel, que existes desde que el mundo es mundo, que tan necesario eres para nosotros, que tan importante eres en nuestras vidas, que tanto te necesitamos; tu ausencia es desconcertante para nosotros, es sentir un inmenso vacío… sin ti no podríamos disfrutar de tantas cosas bellas y tantas sensaciones que tu compañía nos proporciona.

Amigo mío, compañero mío,
formas parte de nosotros mismos.
Amigo que tanta satisfacción nos proporcionas
dejándonos oír tu bella voz en la naturaleza,
en el maravilloso canto de las aves,
en el suave oleaje de los mares,
en el sonar cristalino de los riachuelos,
de las cascadas…
la brillantez de la risa de un niño,
la voz serena de la madre que acuna,
la voz delicada y tierna
del que ama…

Amigo mío, amigo entrañable,
espero no tener la desgracia
de que algún día me abandones
y no poder oírte, sentirte…
Qué tristeza vivir sin tu compañía…

Cómo no agradecerte todos estas sensaciones que nos proporcionas, que nos regalas cada día , cada momento. Tú siempre estás ahí, nunca nos abandonas…aunque a veces, cuando te enfadas y lanzas tu tremenda voz seas un elemento algo desagradable, pero… ¿quién no tiene un mal dia? ¿Quién no ha “levantado la voz” alguna vez? Además, déjame que te haga una confidencia…cuando te enfadas, aunque siento algo de temor, me pareces grandioso, bello, poderoso… me encantas.

Me encantas
cuando desatas tu fuerte voz
en los truenos que retumban en el espacio abierto.
Me encantas
cuando emites tu voz como espada cortante al producirse un rayo.
Me encantas
cuando ruges en las entrañas de la tierra al moverse sus cimientos.
Me encantas
cuando se descontrolan las aguas de los mares o rios
y tu voz se oye autoritaria,
atemorizadora,
pero yo se que tu eres nuestro mejor amigo
y solo lo haces para impresionar.

Observemos a nuestro compañero fiel y, como parte nuestra que es, démosle un poco de atención analizando sus características y sus cualidades: LA INTENSIDAD, EL TONO, EL TIMBRE Y LA DURACIÓN.
Básicamente por medio de la intensidad, el tono, el timbre, la duración, podemos reconocer los diferentes sonidos, sentir su expresividad, su mensaje, aunque también hay otros elementos que lo complementan. Observaremos estas cualidades y lo que proporcionan a nuestros oídos.

MARIA DOLORES VELASCO

Registrado en la Propiedad Intelectual de Madrid

CAPITULO V: "UN CANTO PARA EL ESPIRITU"

2007-12-10T01:22:00.007+01:00

UN CANTO PARA EL ESPIRITU

Voces claras y cristalinas que aportan nuevas sensaciones a nuestro espíritu…

El protagonismo de la música va creciendo cada día, cada año, cada siglo. Las manifestaciones artísticas musicales son cada vez más importantes y ya salen de ese recinto mágico-religioso para ser un deleite en las sociedades de los pueblos.
Son destacables Egipto, la antigua Roma, Grecia, sin olvidar los pueblos orientales con sus magníficos instrumentos de corte totalmente distinto a los de occidente, con el empleo de sonidos y escalas muy diferentes también, pero de una gran belleza y delicada sonoridad.
Nos vamos a centrar en un momento muy importante de esta aventura maravillosa del sonido y la música.
Si en la palabra el momento mas importante fue el nacimiento de la escritura - y su culminación con el invento de la imprenta-, en la música pasa otro tanto de lo mismo. Hay que inventar por fuerza una forma de poder transmitir con fidelidad lo que se canta o interpreta en instrumentos; no se puede ir sólo con una transmisión oral porque eso hace que, al cabo de unos años, se vaya deformando y en menos del paso de unas generaciones se ha perdido o deformado tanto que ya no se puede reconocer el original.
Los rudimentos de la primera escritura musical son unos signos, neumas, palabra griega que significa “señales”, y se utilizan para orientar, al menos, la línea melódica, pero son muy primitivos todavía y poco concretos de tal forma que no es posible utilizarlos sin alguien que dirija y de el tono, la altura sonora y el ritmo a los intérpretes, porque los neumas, como digo, sólo indican la línea melódica.
Los neumas expresan el movimiento y la direccionalidad del sonido. Se representan con curvas, puntos, líneas ascendentes, descendentes y la combinación de todos ellas para expresar de una forma, todavía incompleta, el movimiento de la melodía. Esto se emplea en música vocal, el Canto Gregoriano más primitivo está escrito así. Es interesante saber cómo es la interpretación de dichos neumas. Veamos, pues, como en el propio Canto Gregoriano se interpretan estos neumas, estas señales.
Hagamos primero un breve recordatorio de lo que es el Canto Gregoriano, eso que todos conocemos y que tan popular se ha hecho, incluso dentro de algunas músicas alternativas actuales.
Se llama “gregoriano” porque es el papa Gregorio I El Magno (Pontificado del 590 al 604) quien hace una gran reforma en la liturgia de la Iglesia y también en el canto de la misma. Fue un experto compositor, pero, indudablemente, no es él en tan poco tiempo de pontificado el que lleva a cabo la labor de componer, ni siquiera recopilar, todo el vastísimo repertorio que se le ha atribuido.
El Canto Gregoriano es un canto propio de la Iglesia. Es un canto litúrgico y su contenido no es otro que las oraciones (la palabra) propias de la liturgia cristiana. El lenguaje es el latín, que es la lengua universal de la Iglesia.
Teniendo en cuenta la propia musicalidad de la palabra, como son los acentos, las cadencias, las pausas, se crea una melodía que “calce”, es decir, respete perfectamente esas cualidades. Se enriquece con adornos y melismas musicales y siempre, sin perder la musicalidad propia de la palabra, surge un canto que es una auténtica manifestación de belleza y espiritualidad.
El Canto Gregoriano es monódico (una sola voz) y se interpreta a coro, sin acompañamiento instrumental. A veces, y dependiendo del criterio del que dirige y de las interpretaciones de los propios monasterios, puede haber un solista a modo de dialogo con el coro. Como ejemplo de esto señalo que en dos versiones que conozco de “Puer natus est” - una de las piezas mas bellas del canto gregoriano – la del coro del Monasterio Benedictino de Santo Domingo de Silos (Burgos, España) y la del Monasterio Benedictino de San Pedro de Solesmes (Francia), en el primero todo está interpretado por el coro, y en el de Solesmes hay un solista que dialoga con el coro.
En cuanto a la notación musical, emplean en un principio sólo neumas, pero posteriormente, hacia finales del siglo VIII, aparece lo que se llama notación cuadrada. Esta notación está escrita en un tetragrama, es decir en 4 líneas, y las figuras son cuadradas. Se escriben sobre escalas modales ( modos griegos) cada una de ellas construida sobre una nota musical de la escala, lo que le aporta una personalidad propia a cada composición.
Con esta notación se alcanza una considerable perfección y resuelve algunas deficiencias de la notación por neumas, como son la altura sonora y la escala en que se van a mover los sonidos, pero todavía queda por resolver algo muy importante como es el ritmo. Significa, por tanto, un avance manifiesto para la interpretación de las composiciones musicales.
Como ya he expresado antes, la notación por neumas necesita de un director que sea el que dé las pautas para poder interpretar el canto. Esos símbolos (neumas) también precisan de un apoyo por parte del director del coro y es quien va dibujando en el espacio, con su mano, esos signos para que los intérpretes sepan para donde camina la melodía y así poder aunar las voces del coro.
La foto que se ve en el presente escrito, pertenece a un fragmento del Graduale Triplex que es el libro que contiene toda la liturgia de la iglesia en canto gregoriano. En ella se ve la notación musical cuadrada y encima y debajo de ésta unos “dibujitos” que son los neumas.

Es verdaderamente bello poder asistir a una interpretación de Canto Gregoriano en sus mismas fuentes como son los monasterios principalmente benedictinos. Y un dato de interés es que el Canto Gregoriano es interpretado siempre por hombres, por eso es que siempre nombro “monjes”, porque son ellos y no ellas los que tiene ese privilegio, aunque en las abadías femeninas lo canten, pero siempre son hombres los que tiene la supremacía en ello.
Como se puede deducir ya en este punto que estamos, -con una notación fijada en un pentagrama y con notas musicales, aunque también refuerzan con los antiguos neumas y los siguen expresando en dichas partituras- el canto eclesiástico pasa a manos de expertos; ya no es un canto popular que manejan las gentes , ahora está en manos de los estudiosos de la época, los que son capaces de crear , estudiar e interpretar el canto ya de una forma culta porque requiere conocimientos que la gente sencilla del pueblo no tiene. Estos personajes cultos son los monjes de los monasterios; es ahí donde se refugia la cultura en todas sus manifestaciones, y es ahí, en los monasterios, donde se guarda celosamente el saber de la humanidad.
Tenemos ante nosotros una música propia para la elevación del espíritu que nos ofrece un efecto altamente sereno y relajante; unas voces masculinas muy claras y cristalinas que nos aportan unas sensaciones diferentes a todo lo conocido, y todo eso potenciado por ese ambiente que proporciona el estar interpretadas en los templos de las abadías, con esa sonoridad tan característica de grandes espacios con efecto de eco. Por eso, en la actualidad se valora y se emplea en diversas tendencias musicales como también en sus versiones originales, cantadas por los monjes.
El video que os he dejado: “PUER NATUS EST” pertenece a la misa de día de Navidad. En la liturgia hay tres misas para la Natividad del Señor, la 1º es la de media noche, la 2º es la del dia y la 3º es la vespertina. Está interpretada por los monjes de la Abadía Benedictina de Santo Domingo de Silos (Burgos, España) al cual pertenecen la imágenes.
Busquemos pues un lugar tranquilo, un asiento cómodo y una compañía agradable y dispongámonos a disfrutar de la paz, serenidad y espiritualidad que nos a va a proporcionar su audición y observareis como es altamente beneficioso para nuestro espíritu.

MARIA DOLORES VELASCO
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Registrado en el Registro de la Propiedad de Madrid

CAPITULO IV: "DESCUBRIENDO EMOCIONES"

2007-12-07T09:39:00.002+01:00

Quizás, descubriendo el alma...

En su caminar por los tiempos el hombre sigue perfeccionando y disfrutando de todo eso que tiene a su alrededor. Ya ha descubierto sus posibilidades VOCALES e INSTRUMENTALES y su creatividad le lleva a construir instrumentos cada vez más perfectos.
Encuentra en estas manifestaciones musicales algo “especial” y preciado y lo dedica al culto a los dioses y ceremonias sagradas. Sólo tardíamente, sale de ese ámbito para ser ya una valiosa manifestación más de su arte.
Situémonos en una época de grandes conquistas, de invasiones de pueblos, la lucha por la supremacía de unos frente a otros (como orientación centremos, por ejemplo, estos acontecimientos hacia el 331 a.C. con Alejandro Magno), y es la música tan sagrada, tan valorada, que en las conquistas se respetaba a los músicos de los pueblos sometidos, tomando posesión de su música, a la cual se la consideraba un bien preciado. Esto, a su vez hacía que diferentes expresiones musicales se fueran incorporando de unos pueblos a otros, enriqueciéndose la propia música con las aportaciones de cada uno de ellos.
Y yo en este punto me pregunto: ¿Por qué el hombre considera la música como algo tan importante hasta tal punto que la dedica exclusivamente a ritos religiosos? ¿Qué ha encontrado en ella, qué sensaciones le produce para darle tan preferente uso? Quizás el individuo siente cómo se conmueve algo dentro de su ser; emociones intensas que le elevan el alma hacia el Ser Supremo y le mueve sentimientos profundos y por eso lo dedica al culto a los dioses y ceremonias sagradas.
Cada uno de nosotros podrá saber por sí mismo qué emociones, sensaciones, imágenes…le sugiere el oír alguna pieza musical, sea de la clase que sea. Cualquier música puede sugerir algo y la misma música no a todos lo mismo.
La música cala dentro de la persona, casi nunca deja insensible, siempre nos transmite algo, a veces sensaciones agradables, otras menos, pero nunca o casi nunca nos deja sin alguna emoción.
A mí, personalmente, me gusta oír toda clase de música. Evidentemente no toda es mi preferida, pero siento la necesidad de oírlo todo, investigarlo todo, observar qué sentimientos o emociones me producen y cotejar con otros lo que les ha sugerido a ellos; porque de esta forma descubrimos un mundo fascinante donde se puede sentir desde el más relajante de los momentos, hasta las sensaciones más tensas o incluso desagradables, pasando por sensaciones divertidas o bromas musicales. La música es una forma de expresión que va directamente a nuestros sentidos y emociones y abre un amplio abanico de éstas: amor, ternura, melancolía, dulzura, patriotismo, alegría, temor, terror, miedo, intriga…etc,
Considerando estos efectos de la música en nosotros (también afecta a los animales) vemos su aplicación cuando, de una manera consciente, se quiere exaltar ciertas emociones, y así, determinadas músicas van dirigidas con mensajes que pueden, en algún momento, si la persona no se percata, ser un modo de manipulación y dirección de sus sentimientos. Creo que no hace falta más comentario sobre esto para que todos nos demos cuenta como determinadas facciones las han utilizado y las utilizan, al igual que en publicidad es un factor determinante. Y no digamos en el cine, es, quizás, lo básico, lo más necesario para poder transmitir al espectador todo eso que se muestra en la imagen.
Y en cuanto a los animales también manifiestan de algún modo, iba a decir emociones…y por que no? lo digo: manifiestan emociones de agrado o desagrado. Doy fe de ello cuando observo a mi perra, una linda collie, embelesada cuando oye, por ejemplo, un tango, le encantan, y cuando oye una música que no es de su agrado se va corriendo o ladra… A mi me ladra a veces cuando toco el piano, eso me indica que “algo” me quiere comunicar, creo que tendré que practicar más…No hay duda de que los animales son nuestros amigos y nos aman por eso son nuestros más severos críticos.
No es mi intención hacer una historia de la música, pero quisiera mostraros una visión general de las primeras manifestaciones musicales que nos van a dar una dimensión de la aventura de la música y mostraros todo lo que ya, desde la antigüedad, el hombre es capaz de hacer con su voz y los instrumentos que llega a inventar, unos para su deleite y paz interior y otros como elemento de expresión en diferentes medios.
El canto se transmite por tradición oral y se interpreta solo o con acompañamiento de instrumentos que a lo largo de la historia no han sufrido grandes modificaciones en su estructura. En las imágenes que ilustran este texto os muestro un bajo relieve donde se ve a la reina Nefertiti (Egipto) ante la diosa Hator en actitud de cantar y lleva un sistro (especie de sonajas) en la mano derecha para acompañar su canto. La otra imagen muestra un hombre, posiblemente un sacerdote, ante el dios Amón en posición de cantar acompañado de un arpa, uno de los instrumentos más usado en las antiguas civilizaciones.
De la música en sí poco se puede decir. Deducimos por el número de orificios o cuerdas de los instrumentos, que empleaban escalas musicales pentatónicas (5 sonidos) o heptatónicas (7 sonidos).
Un dato curioso es que para los sumerios la música guardaba relaciones cosmológicas, por tanto era muy importante el número para ellos (relación con otros planetas, las estaciones del año …)
Estos son, pues, en los términos que se manifiesta la música en los primeros tiempos de la historia y ha de caminar mucho la humanidad todavía para tener ya una escritura y notación musical propiamente dicha para poder interpretar y componer partituras, cosa que hasta que no se produce este avance, los hombres y mujeres interpretaban su música por improvisación y la conservaban por tradición oral. De ahí que eran tan importantes los músicos, como he indicado anteriormente.
Me parece de cierto interés mostrar los primeros instrumentos más característicos, afinados y de percusión, de los que tenemos constancia y cuyas fuentes son: documentos escritos, pinturas, relieves en piedra y hallazgos.

INSTRUMENTOS DE CUERDA:

LIRA - instrumento nacional sumerio, 4.000 a,C.

ARPA - época sumeria

LAUD - se encuentra en reproducciones babilónicas, 2.000 a.C.

INSTRUMENTOS DE VIENTO:

FLAUTA - existen desde tiempos primitivos (ya se vio anteriormente)

CHIRIMÍAS DOBLES - halladas en las tumbas de Ur I (sumerio)

TROMPETAS - período asirio (Nínive). Probablemente se usara como instrumento de señales en el ejército.

INSTRUMENTOS DE PERCUSIÓN:

Existe ya una variada serie de ellos:

SONAJAS
VARILLAS ENTRECHOCADAS
SISTROS, en forma de U
CAMPANAS DE BRONCE
PLATILLOS DE MANO
TIMBALES DE CALDERO DE METAL
TAMBOR CILINDRICO
PANDERETA
BOMBO

MARIA DOLORES VELASCO

Registrado en el Registro de la Propiedad Intelectual de Madrid

CAPITULO III: "...Y DIOS CREÓ AL HOMBRE"

2007-12-05T15:19:00.005+01:00

“...Y lo puso en la Tierra y lo dotó de una inteligencia y facultades semejantes a ÉL”, dice más o menos la Biblia.

El Hombre, el ser más perfecto de la naturaleza, la “máquina” más perfecta que nunca el propio hombre pueda superar, ha llegado al mundo. Cosas maravillosas veremos, un mundo increíble está por nacer.

Al igual que en el reino animal (al fin y al cabo el hombre pertenece a ese reino), el ser humano posee esas facultades de poder emitir sonidos y comunicarse por medio de ellos.

El hombre primitivo hace uso de sus facultades sonoras muy semejante a como lo hacen los animales, pero su inteligencia no es la misma y su comunicación tendrá enseguida una mayor perfección. Avanzará mucho más porque está dotado de facultades muy superiores al resto del mundo animal, teniendo en cuenta que, además, posee la facultad de razonar y algo muy importante como son las emociones y los sentimientos. Esto ya son palabras mayores, que se suele decir, porque estas facultades harán que el hombre sepa descubrir, experimentar, desarrollar, valorar y perfeccionar todo eso que tiene a su alrededor, así como también sus propias aptitudes.

Impresiona cuando nos damos cuenta de la aventura tan maravillosa que nosotros, los seres humanos, hemos desarrollado a través de los tiempos. Me admira, lo valoro y me siento orgullosa de pertenecer a esta especie.

Pero vamos a lo nuestro; vamos a ver cómo el hombre maneja el sonido, qué hace con él y cómo va descubriendo ese mundo tan atractivo y necesario.

En principio, suponemos, claro está, nadie estábamos ahí para poder observarlo. ¡ Qué más hubiera querido yo que ver cómo nacían muchas manifestaciones musicales en el hombre y cómo llegó a usarlas!, pero empleo mi imaginación y veo a los primeros hombres primitivos usando el sonido muy semejante a como lo usan los animales actualmente, fijando sonidos para llamarse, para advertir de los peligros, para unir a su prole, a sus familias, a sus tribus…también para cazar etc, hasta llegar a tener un rudimento de lenguaje que fijan y se pueden entender sin problemas. Ya ahí, se puede decir que el hombre empieza a desarrollar la musicalidad. La palabra es música, - esto lo veremos mas despacio en su momento – y la palabra es la facultad propia del hombre; él la manejará, la desarrollará y la irá perfeccionando día a día.
Imaginémonos al hombre en medio de una naturaleza llena de cosas que ve, que utiliza, que experimenta. Cierro los ojos y veo al hombre rugiendo como el más fiero de los animales a los que se tiene que enfrentar para no ser menos y no dejarse intimidar por esos terroríficos sonidos. Veo al hombre imitar el sonido de otros animales, y deleitarse con los fenómenos que la madre naturaleza le regala, como el caer de una lluvia mansa, el riachuelo cantarín, las hojas sacudidas por el viento, el viento que silva a modo de flauta al pasar por ranuras o huecos de los árboles. Bellos sonidos musicales que la naturaleza le brinda y él sabe apreciar.
Me lo imagino extasiándose con el bello canto de los pájaros, tratando de imitarlos, con lo cual ya esta haciendo música… Y se deleita en ello, y repite, y perfecciona. Y en las noches, ya recogidos en sus lugares de descanso todos los miembros del clan, observo cómo se divierten mostrando todo lo acontecido durante su jornada. Les imagino también imitando como se mueven los otros seres vivos, expresando a modo de danza todo lo que han observado.
Independientemente de esos sonidos que el hombre usa para la comunicación con sus semejantes, también tiene la capacidad para poder hacer uso de elementos que tiene a su alrededor y los emplea para más facilidad ante los trabajos necesarios para sobrevivir, es decir usa piedras, palos, ramas de árboles y todas esas cosas que tiene a su alcance y las convierte en herramientas útiles.
El uso de dichas herramientas le hace descubrir un mundo sonoro desconocido para él: golpes acompasados, roces de piedras, despiece de la caza, etc, en una palabra, ritmos. Ha conocido el ritmo! Sabe que golpear una cosa con otra y con determinada secuencia es divertido. Se da cuenta de que no es lo mismo golpear dos palos que dos piedras, y si además observa como suenan dichos elementos combinados descubre que es diferente, que las posibilidades sonoras son muchas.
El hombre sigue su quehacer por el mundo, descubriendo cosas nuevas día a día, hasta ir perfeccionándose es los utensilios que precisa para poder vivir. Ya elabora herramientas más sofisticadas, como es el arco, una de las herramientas mas primitivas, y pronto descubrirá que si golpea la parte más flexible del arco, rozándola, emite un sonido y es agradable. Ya tiene en sus manos uno de los primeros instrumentos musicales propiamente dichos. En las pinturas rupestres de algunas cuevas hay representaciones de hombres cazando con arcos en la mano y figuras humanas en actitud de danza.
Hallazgos de instrumentos:

ERA GLACIAL: En el último periodo de la era glacial provienen las primeras flautas de orificio hendido, de huesos de reno, solo tenían un agujero.

ERA PALEOLITICA: Los más antiguos son las flautas de falanges, de huesos de pata de reno, de finales de esta era.

De finales de esta era datan flautas de 3 y 5 agujeros (¿pentatónicos?) son ya instrumentos puramente melódicos.
Pinturas rupestres en las que aparecen arcos para el lanzamiento de piedras que posiblemente se emplearan como arcos musicales.

ERA NEOLÍTICA: En el tercer milenio a.C. se encuentran en Europa tambores de mano hechos con arcilla. De la misma época aparecen sonajas de arcilla, con forma de pequeños animales o seres humanos.

EDAD DE BRONCE: En Europa se encuentran cuernos de animales y también cuernos construidos en metal, que usan como instrumento musical de viento.
Otros instrumentos de esta etapa son: trompetas, láminas sonoras, sonajas de latón, sonajas de arcilla…etc.

…Va pasando la vida, van pasando los años y el hombre sigue con su labor incansable de descubrir, investigar y perfeccionar toda una naturaleza que se le entrega generosa con toda la belleza que encierra: el mundo de las sensaciones, el mundo del color, el mundo del sonido…Todo un mundo para crear y combinar los elementos a su modo y manera, a lo que su creatividad le lleve. Sigamos sus pasos para observar a nuestros antecesores, héroes de esa maravillosa aventura que es el nacimiento de la civilización.

María Dolores Velasco

Registrado en el Registro de la Propiedad de Madrid

CAPITULO II: "EL DESPERTAR DE LA VIDA"

2007-12-04T16:25:00.003+01:00

KITARO- "Symphony of the forest"

La aventura del sonido comienza, observemos…

El mundo despierta y empieza a poblarse de seres vivos: animales, plantas y… el hombre. Ya estamos todos… ya estamos en casa…el concierto va a empezar.

Ahora tenemos un rico y variado mundo sonoro. Se nos ha añadido el mundo animal, rico en sonoridad, en variedad, en color (el sonido también tiene color) y tenemos el reino vegetal que complementará y enriquecerá la sonoridad de otros elementos, y tenemos algo muy especial: El Hombre.

Qué maravilla!!! todo un mundo para observar, para crear, para disfrutar… Magnífica tarea la que hay por hacer.

Observando el mundo animal, veremos un maravilloso mundo sonoro, musical, me atrevo a decir. Sonidos muy diferenciados para llamarse unos a otros, para avisarse de los peligros, en realidad sonidos para la comunicación. Y además cada especie con unos sonidos característicos. Un concierto de gran variedad y belleza que la naturaleza nos regala.

Si examinamos estos sonidos que emiten los diferentes animales podremos ver que no es hacer ruido por hacer. En casi todos los animales se nota claramente que los sonidos tienen un mensaje, que están muy pensados, diría yo, que tienen una frecuencia fija, un ritmo fijado también y una altura sonora que en cada especie es siempre la misma o parecida y sobre ella ciertas variaciones. Esto, amigos, tiene musicalidad, esto ya lleva los componentes de lo que llamamos música.

Ponemos como ejemplo un lobo, que es un animal conocido por todos y sabemos cómo emite sus sonidos. Estos sonidos del lobo se conocen como aullidos.

Imaginemos unos momentos, oigamos interiormente aullar a un lobo y si os atrevéis, imitarlo, así…a voz en cuello….que de vez en cuando es muy bueno observar nuestras propias posibilidades sonoras. Podemos observar que emite un sonido ascendente (direccionalidad del sonido, rudimentos de una escala musical ascendente), cada vez más fuerte (intensidad) y más agudo (altura), que lo mantiene durante unos momentos ahí en una altura sonora casi siempre parecida y que va descendiendo el sonido a la vez que su intensidad se hace menor hasta desaparecer (esto en música se llama “glisando”). A mi me sobrecoge, pero no porque me atemorice sino por la calidad y belleza de dichos sonidos y su perfecta interpretación musical, además de una magnifica puesta en escena (la noche, posiblemente de luna llena…).
Qué belleza hay en la naturaleza!, qué perfección, que maravilla, amigos. Os invito a que juguéis con otros sonidos conocidos para vosotros, que tratéis de interiorizar esos sonidos y emitirlos con vuestra voz y os detengáis unos momentos en lúdico ocio, porque podréis observar cosas que de seguro nunca habíais observado, y os digo que merece la pena concederse unos minutos en ello.

Cualquier animal emite sonidos muchas de las veces ya claramente musicales: El maullido de un gato es un sonido claramente musical, los múltiples matices del ladrido de un perro y la diversidad según lo que quiere expresar, además de las diferencias propias de cada raza. Y no digamos ya el canto de muchas aves que son propiamente melodías que se pueden escribir con notas musicales, sin olvidar a esa legión de pequeños amigos como el grillo, la cigarra, que emiten sonidos interesantes, repetitivos y rítmicos (en música se denominan “ostinatos”).

El mundo animal es rico en sonoridad, variedad y musicalidad. Disfrutemos simplemente con la observación de nuestros amigos más cercanos que son nuestros perros, gatos, pájaros,etc. y os aseguro que será altamente placentero.

El hombre. Ahí está el ser humano. El rey de la naturaleza, el ser dotado de unas cualidades superiores para poder emitir sonidos con una gran perfección y además con una inteligencia capaz de convertirlos en algo muy especial…la música.

Dejemos al hombre que despierte a todas estas sensaciones sonoras y desarrolle las facultades de las que naturalmente está dotado, y pronto veremos la musicalidad en todas las manifestaciones de su existencia que le acompañarán en todos los acontecimientos y avatares de su vida, tanto los buenos como los malos.

María Dolores Velasco

Registrado en la Propiedad Intelectual de Madrid

CAPITULO I: "EL DESPERTAR DEL MUNDO SONORO"

2007-12-02T23:20:00.005+01:00

De la mano de mi fiel compañero EL SONIDO quiero mostraros la prodigiosa aventura del mismo y como el hombre va conociéndolo. La música está en todo, todos somos música, solo hay que saber descubrirla y nuestra vida tendrá un color diferente.

Me asomo a esta ventanita para mostraros mi mundo, nuestro mundo, si, es el mundo de todos pero, a veces, no nos damos cuenta de lo que nos rodea y pasamos por alto muchas cosas bellas e interesantes, simplemente porque nadie nos las ha mostrado.

A pesar de ser mi profesión la música, tuvo que pasar mucho tiempo para darme cuenta de muchas cosas que hicieron en mí una huella imborrable. Y no lo hice por mi misma, me lo mostraron. Me puse en un camino que me llevó al conocimiento de eso que es obvio, pero que no nos damos cuenta…y por Dios que se nos pasa por alto un mundo maravilloso, lleno de luz, color, sentimientos, belleza a manos llenas.Cuando se integra uno es este mundo ya no puede salir de él, te atrapa, te engancha, es como si tus oídos se hubieran renovado y oyes cosas y ves cosas con el alma que antes no veías. Espero poder ser lo suficientemente comunicadora a través de la palabra escrita, para poder transmitiros todo eso que me fascina porque , simplemente, es fascinante.

Para empezar, os mostraré algo que es posible que nunca nos hayamos fijado porque no es importante, o porque nuestra forma de vida no nos da para muchas cosas que consideramos, quizás, sin importancia.

Quisiera que me acompañárais a dar un paseo por los primeros tiempos del mundo…sí, tomaremos la referencia desde muy lejos…tanto como desde que el mundo es mundo, así de lejos.

La naturaleza, el mundo animal, el hombre, todo esta lleno de sonidos, bellos y menos bellos, lleno de matices: cristalinos, dulces, disonantes, agresivos, terroríficos, relajantes, misteriosos…un sin fin de sensaciones y emociones.

Imaginémonos por un momento, como sería el mundo recién estrenado. Cada uno nos imaginaremos algo diferente, a donde nuestra imaginación nos lleve. Pero ahora imaginémonos no sólo esos paisajes más o menos idílicos o quizás no tan idílicos, en cualquier caso nuestra fantasía nos llevará a visualizar una naturaleza desbordada, joven, recién nacida, por pulir, con fenómenos desatados, reacciones de adolescente mundo que todavía no ha aprendido a tomarse las cosas con calma.

Podemos ver las aguas con todo su fuerza de joven mundo y ese bello sonido, unas veces intenso otras en remanso, relajante, o ese cielo que se hace notar, ¡no va a ser menos que el agua!, y nos asombra y atemoriza con la fuerza del sonido de sus truenos y tormentas, y también nos compensa con los suaves sonidos de una lluvia tranquila, con el dulce ritmo de esa agua que cae mansamente. Y qué decir de esas tierras que no encuentran su acomodo y se mueven, suben, bajan y sin reparo ninguno lanzan ruidos intensos, terroríficos, grandiosos…

El mundo despierta, la naturaleza se explaya, nace un mundo de sensaciones inimaginable.El sonido esta ahí…desde el principio. Ahí está la materia prima de lo que es la música.

María Dolores Velasco

Registrado en la Propiedad Intelectual de Madrid

2007-12-02T22:33:00.000+01:00

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PRESENTACIÓN

2007-12-02T22:12:00.000+01:00

Ante la imposibilidad de poder ofrecer entera esta serie a todos mis lectores ya que las páginas web donde lo he intentado dos veces, por diversas causas ajenas a mi han sido cerradas, es por lo que he decidido crear un blog exclusivo a este fin.

Sean bienvenidos todos aquellos que ya conocen parte de este trabajo que con mucha dedicación y cariño lo voy elaborando y que surge de mi experiencia como docente de la Música en mi especialidad de Pedagogía Musical.

A los que no lo conocen espero que sea de su agrado. Mis lectores son muy diversos, unos me leen por gusto y entretenimiento y otros por ser estudiantes o personas dedicadas a la música.

Todos sois igualmente valorados por mí y os lo dedico con todo mi afecto y agradecimiento.

Maria Dolores Velasco